New Kid On The Blog

Oh! You Pretty Sounds Xiu Xiu

2012-02-03T19:44:00.000-08:00

Xiu Xiu Always (Febrero / marzo 2012)

Comenzando con unos beats que te arrastran al baile, Hi, la canción que abre el nuevo disco de Xiu Xiu, se presenta como la incursión más cercana al synth-pop por parte de Jamie Stewart y compañía. "If you are wasting your life say hi, if you are alone tonight say hi, if there's a hole in your head say hi...", canta Stewart a modo de llamado para todos aquellos cuya intensidad emocional y desencanto personal puedan indentificarlos con el enfant terrible de este grupazo californiano, quien por supuesto dice "...Hi, hi, hi, hi...". Así transcurre gran parte de Always, entre la ya acostumbrada desesperanza de sus letras y los ritmos más bailables que el grupo ha confeccionado en su trayectoria.

Como en los discos The Air Force (2006) y Dear God I Hate Myself (2010), las labores de producción estuvieron a cargo de Greg Saunier, baterista y fundador de otro grupazo californiano como lo es Deerhoof, a quienes Stewart siempre ha nombrado como influencia.

Para esta encarnación Xiu Xiu se transforma en quinteto, lo que significa que tanto los arreglos como algunas letras han venido de varias cabezas, sin que eso suponga el sacrificio del sonido y tópicos escabrosos que caracterizan al grupo. Siguen habiendo momentos de aspereza sónica y crudeza lírica, sobre todo en canciones como I Luv Abortion, tensamente recitada por Stewart, quien suelta frases como "You're too good for this world", Black Drum Machine, que habla acerca del abuso infantil y fluye melancólicamente hasta desembocar en un final donde la voz quiebra en desesperación o Factory Girl, que aborda el tema del acoso sexual del que son víctima muchas trabajadoras chinas que dejan la mayor parte de sus vidas en fábricas.

Como novedades en el campo vocal encontramos Smear The Queen y Honeysuckle, donde Angela Seo y la nueva integrante, Bettina Escauriza, hacen duetos con el intenso de Stewart. Y no digo "intenso" como descalificativo, la intesidad no tiene que ser siempre vista como un defecto o una postura arrogante, sino como una manera de ser que no se elige, simplemente es. Por eso las letras, la música y el histrionismo vocal de la mente maestra detrás de Xiu Xiu, que lo hace sonar casi siempre al borde de un colapso emocional, están más que justificados para muchos de los que seguimos, en mayor o menor grado, su carrera. Y Always nos da razones de sobra para seguir haciéndolo.

Listas 21 DISCOS DE 2011

2011-12-03T17:52:00.001-08:00

21 DISCOS DE 2011

arbirtrariamente comentados

Tarde pero seguro. Esto es una recopilación de mis reseñas publicadas en Ladosis durante el último año -las trece primeras que verás acá abajo, y otras ocho más, totalmente sesgadas y sin ningún orden específico.

Mujercitas Terror Excavaciones

Punk, post-punk, garage y rockabilly con carácternihilista y estética oscura que suena desde las sombras del undergroundbonaerense. Este trío compuesto por una mujercita, Daniela –bajo/voz- y doshombres, Marcelo –guitarra/voz- y Federico –batería-, descargan de manera tan primitiva comoefectiva una energía que muchos nuevos grupos enamorados del lo-fi actual nisiquiera imaginarían. En su 1er. disco, el homónimo del 2007, le dieron 10 razonesa la crítica especializada argentina para recordar a gente como The Jesus & Mary Chain, The Birthday Party y The Cramps. Con Excavaciones, esos nombres siguen en la memoria, igualmente como unpunto de referencia, no una reproducción. Si los Mujercitas fuesen de Brooklyn,Los Angeles o San Francisco, ya hubieses leído acerca de ellos en Pitchfork.

http://mujercitasterror.com.ar

SebastiAn Total

Desde mediados de la década pasada se han estadoescuchando remixes de este francés en compilaciones de la disquera Ed Banger, pero es apenas este añocuando saca su disco debut; una celebración donde el ruido se convierte en electro,glitch, funk, rock y hasta algo de música clásica malandrizada para la ocasión,todo en línea con la disonancia bailable de Justice, compañeros de sello. Totales una fiesta eufórica de 51 minutos repartida en 22 temas que vienen empacadosdentro de una portada donde vemos a SebastiAn besándose él mismo pararepresentar a manera de “chiste serio la relación que un artista mantiene consu ego”.

http://www.myspace.com/0sebastian0

My Little Airport Hong Kong is One Big Shopping Mall

El sonido de este dúo ha estado endulzando el airedesde 2004. Luego de 5 discos sigue haciéndolo con canciones que, al menos anivel musical, son alegres e inocentonas, aunque sólo quienes entiendancantonés sabrán si las letras concuerdan con ese mood. El twee pop de ocasionalestoques electrónicos que entregan en este álbum mantiene su línea intacta concanciones cortas, como de costumbre, y simpleza melódica que hace de esta, unaexperiencia para todas las edades. A excepción de una recopilación editada enEspaña por Elefant Records en el 2007 - Zoo is Sad, People are Cruel-, ladistribución de los discos que saca este dúo, se limita a Hong Kong ¿Un actomáximo del purismo independiente? ¿O un criminal desinterés por parte dedisqueras indie pop? Lo cierto es que existe internet.

http://www.mylittleairport.com

Mastodon The Hunter

Los discos del combo metalero de Atlanta siempre hanvenido cubiertos por conceptos laberínticos; personas perdidas en la montaña–Blood Mountain, 2006-, viajes astrales donde participa Rasputín –Crack theSkye, 2009-, etc, sonando tan elaborados como sus historias, pero siempre conuna fuerza y precisión que nos hace olvidar esas tramas a veces tan complicadaspara entregarnos al cabeceo y demostrar la maestría con la que tocamos nuestraair guitar. En The Hunter no hay concepto, es una colección de 13 canciones queno se relacionan entre sí y suenan algo más sueltas, menos compactas, peroigual de poderosas que su material anterior. Es el disco más relajado de Mastodon, sin que “relajado” signifique“suave” sino “despreocupado”. ¿Redefine el metal? No ¿Lo mantiene vivo?Definitivamente.

http://www.mastodonrocks.com

Gang Gang Dance Eye Contact

A pesar de que la primera canción dure más de once minutos y tenga un intro de cinco que puede sonar a música new age de un planeta por descubrir, el resto de Eye Contact es el punto de iniciación perfecto para los ajenos al sonido de este grupo. Y es que GGD se une a la tendencia actual de músicos experimentales que “experimentan” dándole un carácter más “pop” a su música. Para esta oportunidad usan su percusión característica, sintetizadores y artilugios electrónicos a favor de ritmos bailables que alimentan algunas melodías vocales traídas de Asia y el Medio Oriente. Un disco accesible para los estándares de GGD, que habiendo firmado con 4AD parece apuntar a públicos medianamente más amplios. Lo mejor de todo: su sonido mantiene la autenticidad y sorpresa de siempre.

http://www.ganggangdance.com

Planningtorock W

Janine Rostron –AKA PTR- dejó su natal Bolton paraexperimentar con la música, visuales y performance en Berlín, debutando en 2005con Have it All, uno de esos discos queasustan pero que encantan. Luego de 6 años regresó con W para darnos otra muestra de obsesión artística. Intacta está suaura oscura e intrigante armonizada por una suerte de música de cámara que ellase encarga de hacer electrónicamente para alternar con ocasionales canciones deritmos bailables. La voz sigue siendo parte integral de su personalidad, esasmúltiples inflexiones que pasan de los agudos a los graves con coros de fondo aveces punzantes grabados por ella misma no dejan lugar a la confusión. ¿Laprótesis sobre su nariz? Para “jugar con su género”, complementando el conceptode este enigmático disco.

http://planningtorockoffical.tumblr.com

Shilpa Ray and Her Happy Hookers Teenage and Torture

Sentimiento de cabaret con visceralidad punk. Shilpa,descendiente hindú radicada en Nueva York, le da violencia al desamor con unavoz desgarrada que suelta melodías melancólicas y escupe gritos de criaturasalvaje por igual mientras toca el armonio –instrumento de viento con teclado,parecido al acordeón-. Acompañándola con guitarra, bajo y batería están susHappy Hookers, que ni son hookers sino hombres, ni están felices sinoencabronados como ella, así lo demuestran en canciones como Stick it to theWoman, Liquidation Sale o Erotolepsy, donde la agresividad es la norma a seguir.Este, su 2do. disco, corre en 50 minutos llenos de punk, blues y actitudgarajera, confirmando las alabanzas de Nick Cave en una entrevista hace un parde años en la web del periódico canadiense National Post.

Man Man con Shilpa Ray and Her Happy Hookers en Bimbo's 365. San Francisco, mayo 2011.

http://www.knittingfactoryrecords.com

The Decemberists The King is Dead

Cada disco del grupo de Portland comandado por ColinMeloy ha sido como una banda sonora para libros de cuentos estadounidenses deantaño escritos por él mismo. Un folk teatral que con su anterior trabajo, elconceptual Hazards of Love -2009-, subiólos decibeles de su sonido acústico con intensidad de guitarras enchufadas yacercamientos al rock de estadios en los 70’s. Esta vez las cosas se calmanbastante para ofrecer un despojado folk con recurrentes cadencias country; unade las influencias de Meloy en esta oportunidad, además de R.E.M., por esoinvitó a su guitarrista Peter Buck –guitarra y mandolina en varias canciones deeste disco-, para acercar su sonido al de los veteranos de Georgia en losmomentos más minimalistas del disco Reckoning-1984-, como Meloy afirma en una entrevista.

http://decemberists.com

Deerhoof Deerhoof Vs. Evil

Muchos artistas avocados a la experimentación depoca accesibilidad para públicos amplios han cedido en los últimos años ante estructurasy melodías más universalmente digeribles. El trío de San Francisco se une a esatendencia, ofreciendo un disco que, grabado y auto-producido de manera casiimprovisada, se apega a un sonido que, sin dejar de lado su particular marca,se convierte en algo más “pop”. Alternando caricaturescas explosiones de ruido blancocon riffs rockeros y temas que presentan la tranquilidad de guitarrasespañolas, junto a canciones que podrían ser el soundtrack de una película avant-gardede espías perdida en los archivos de los 60’s. Deerhoof Vs. Evil, podría ser elcomienzo de la exploración por parte de nuevos seguidores del grupo para iradentrándose poco a poco en su intrincada trayectoria.

http://deerhoofvsevil.com

Varios Artistas CUU Desde el Espacio

¿Qué es lo primero que piensas cuandonombran la ciudad de Chihuahua? Si respondiste que toda una movida musicalindependiente, es porque ya escuchaste algunos de los grupos del sello CUUDesde el Espacio. La cantidad de artistas con expresiones musicalesalternativas que se concentra en esa ciudad mexicana es toda una revelaciónpara quienes sólo se predisponen a esperar música norteña u otras corrientestradicionales. Esta recopilación recoge temas de 17 grupos y solistas entre losque destacan The Mueres (post-punk), Gay Duo (punk), Fitness Club (synth-pop),La Revolución de José Luis Esparza (post-rock) y Sinister Sister (Lo-Fi folk),por nombrar sólo algunos y ahorrarme varios caracteres. Así reclama Chihuahuasu lugar dentro de las capitales musicales cosmopolitas de Latinoamérica.

http://cuudesdelespacio.blogspot.com

The Dirtbombs Party Store

Con dos baterías, dos bajos, la guitarra y voz negrade Mick Collins, este combo de Detroit, se ha caracterizado por su ruidoso ycrudo garage rock. Ultraglide in Black-2001-, su 2do. disco, transformaba canciones soul y motown de sus “hermanos”preferidos de los 60’s y 70’s, en un ataque sonoro de antología. En estaoportunidad también ofrecen una colección de versiones, pero muy distintas: delelectro y techno nacidos en la “ciudadmotor” a finales de los 80’s y principios de los 90’s, logrando recrear coneficacia, y a su manera, la bailabilidadde temas tan fríamente sintetizados usando su ya legendario arsenal deinstrumentos no electrónicos y poniéndolos al servicio del tributo a Dj’s yproductores que poco tenían que ver con el rock. Party Store, es para cabeceary bailar a la vez.

http://www.thedirtbombs.net

Girls Father, Son, Holy Ghost

Haber sido criado en un entorno bizarro ayuda a darle mística a la personalidad de Christopher Owens, letrista, guitarra y voz de este dúo radicado en San Francisco, cuya otra mitad es el multi-instrumentalista JR White. Viviendo en una comuna de fanáticos religiosos alienados hasta los 16 años, Owens deja Eslovenia -donde la comunidad nómada Children of God, a la que pertenecían sus padres, estaba radicada en ese momento, para mudarse a Texas y comenzar otro peregrinaje, ahora musical. Album, su disco debut del 2009, se convirtió en referencia instantánea para la comunidad alternativa, por lo que habían expectativas respecto al siguiente disco. Con un aura más íntima y preciosista que realza el carácter autobiográfico que encierran estos nuevos 11 temas, la atmósfera provocada por canciones como Vomit, Magic o Forgiveness, sigue estando impregnada por la narcosis a la que el dúo se somete cuando compone y graba -y cuando no también. Pero al mismo tiempo el sonido logra mayores dimensiones por los ahora más abundantes arreglos de guitarras españolas, teclados y coros femeninos entre gospel y soul. Luego de su escalada al Monte Hype a finales de los 00's, los 10's se presentan como una década prometedora para Girls.

http://www.facebook.com/GIRLSsf

St. Vincent Strange Mercy

Luego de unos 3 años ofreciendo su talento musical para colaborar con The Polyphonic Spree, Sufjan Stevens y Glenn Branca, la nativa de Oklahoma mudada a Nueva York, Annie Clark, se independiza en 2006 para demostrar también su talento como escritora. Con letras confesionales que sin embargo no la dejan expuesta, los sentimientos depositados en este, su 3er. disco, siguen paseándose desde la frustración a la esperanza haciendo varias paradas intermedias. Su cabeza continúa dándole vueltas a sentimientos confusos que giran en torno a las relaciones humanas mientras su pie aprieta ocasionalmente el distortion de su guitarra para darle tensión al momento, pero en esta oportunidad dicha tensión queda sólo como complemento de lo que hasta ahora es su disco más variopinto y cuidadosamente producido.

http://www.ilovestvincent.com

La Casa Azul La Polinesia Meridional

A Guille Milkyway le encanta el euro-trash, el french y j-pop, el disco music y la electrónica cercana al chiptune. También es un tímido confeso, por eso desde que arrancó su aventura musical a finales de los 90's con La Casa Azul -del cual es el único miembro, decidió no ser el protagonista en sus conciertos, no aparecer en los videos y reducir al mínimo sus entrevistas. En su lugar, darían la cara 3 hombres y 2 mujeres que al mejor estilo sesentoso del tipo Archies, harían las veces de un grupo en el que "tocaban" guitarra, bajo, teclados y batería mientras cantaban. Con 2 discos; Tan Simple Como El Amor -2003- y La Revolución Sexual -2007, la imagen del "grupo" fue evolucionando; de jóvenes con imagen colorida, pulcra e inocente, a "androides" vestidos con prendas retrofuturistas que eran "controlados" por Guille, quien cada vez estaba más presente, tanto a nivel de videos, como de material promocional. Por eso ya muchos sospechábamos que para el 3er. disco nos despediríamos de aquellos 5 personajes para ver sólo al retraído barcelonés. Y así fue, ahora la música mascachicle de altas velocidades y aura alegre que combina programación de bajos funkies, bases electrónicas, casi siempre de carácter bailable y letras que hablan de alienación, amor y desamor, giran totalmente alrededor de su artífice, quien luego de más de una década de actividad debe haber superado su timidez. Sin embargo a nivel sonoro los cambios son pocos, cualquiera de estas nuevas 13 canciones pudiesen fácilmente haber formado parte de sus 2 larga-duraciones anteriores, pero las habilidades, tanto melódicas y líricas como a nivel producción, mantienen este nuevo disco lejos del aburrimiento-por-repetición y lo convierten en una cálida extensión de la personalidad del Guille.

http://elefant.com

Krista Muir Between Atoms

Durante la primera mitad de los 00's, la canadiense Krista no era conocida por su nombre de pila sino por su alter ego: Lederhosen Lucil, quien, con acento alemán falso y apariencia estereotipada también teutona, alegraba a quien tuviese la suerte de escuchar sus equipos electrónicos vintage al servicio del hip-hop, country, synth-pop o rock. Varios singles y 2 discos; Hosemusik -2002- y Tales From The Pantry -2003-, fueron los responsables que me enamorara musicalmente de ella hace ya casi una década. Pero luego de su 2do. disco desapareció sin dejar pistas de qué vendría después... o más aun, si vendría algo después. Pasaron 4 años hasta tener noticias de nuevo material -periódicamente consultaba su página. Fue entonces en 2007 cuando bajo su nombre real, Krista Muir, lanzaba Leave Alight. El hecho que su alter ego comenzara un hiato musical significaba que ahora el carácter novelty de su música cedería paso a una colección de canciones más instrospectivas; Las claras referencias humorísticas de Lederhosen Lucil ahora abrían espacio para la contemplación etérea de Krista, con un sonido ligado al folk que, girando alrededor de un ukelele, lograba mostrar otra faceta de la artista. El año siguiente seguiría ese camino con el evocador Accidental Railway y ahora lo reafirma al regalarnos otra colección de bellezas sonoras en el adorable Between Atoms. Las 10 piezas que componen este disco son una adición de altura al particular y colorido catálogo de la nativa de Ontario, quien con canciones como Marysburgh Vortex o la que titula el álbum, por nombrar sólo algunas, despliega niveles de belleza que exceden el límite legal. Para esta ocasión dejó filtrar algo de la graciosa candidez de LL en la mezcla; canciones como Tired Angels y Ultraviolet Eyes, con las características tonadas y percusión de su tan querido Yamaha PSR-180 -que un amigo le regaló en alguna navidad de los 90's, traen a la memoria el sonido de la prankster alemanizada que sigue de vacaciones hasta nuevo aviso. Love you, Krista/Lucil.

http://kristamuir.wordpress.com

JazZstePpa Hyper Nomads

Recuerdo que hace un par de años mi simpatía por el dubstep era nula, no me gustaba nada de lo que había escuchado porque se me hacía insoportablemente aburrido y snob. Por aquella misma época vi en alguna página por ahí el nombre de este combo, era obvio que hacían dubstep, pero la palabra jazz me despertó la curiosidad suficiente como para bajar el disco homónimo. No fue sólo el trombón y la batería lo que me convenció, sino también el sonido denso y oscuro que no le había escuchado a otros productores del género. "Now we're talking" pensé, y así le abrí mis puertas al dubstep... o al menos a cierto tipo de. Con Hyper Nomads subieron su barra -el hecho que la 2da. canción se llame Raising The Bar no debe ser casual. Desde que sonó Baby Jesus, la 1era. canción, ya sabía que las siguientes 24 iban a provocarle a mis dos amigas JBL un sufrimiento que sería directamente proporcional a mi satisfacción. Desde la euforia ragga de la mencionada Raising the Bar hasta la feliz justificación jazz de Rusty Trombone, pasando por el folk centroeuropeo de Do U Lov_Me, no hay desperdicio en este disco, ni siquiera en los interludios. El uso y abuso del wobble es la clave que mete a este disco en la nueva dirección que han tomado varios artistas del género y JazZstePpa sabe muy bien como hacerlo oscilar para sacar provecho de él.

http://jazzsteppa.co.uk

Black Lips Arabia Mountain

Uno de los discos más sonados en mi soundtrack de 2011, Black Mountain fue una revelación inesperada que ayudó a grabar en mi memoria algunos de los momentos más divertidos de ese año. Firmados por Vice Records luego de lo que hasta entonces fue su mejor disco; Good Bad Not Evil -título que siempre me trajo a la memoria el Give Him a Great Big Kiss de mis queridas Shangri-Las, hasta que leyendo una reseña por ahí pude ver que de hecho era referencia de esa canción, por lo que le agarré todavía más cariño a ese disco... pero volviendo al tema Vice; los firmaron y sacaron el insípido 200 Million Thousand en 2009. La disconformidad de la disquera por haber perdido esos reales los llevó a comisionar al productor Mark Ronson -Amy Winehouse, Adele, Robbie Williams, etc, -¡¿?!- para darle un extreme makeover al sonido del grupo y salvarlos de la repetición. Santo remedio: 16 canciones de las cuales cualquiera podría ser un single promocional -exceptuando You Keep on Running. Pegajosas, tarareables, divertidas y 100% libres de pretensiones. Los Lips y Ronson tienen claras las limitaciones del grupo -virtuosismo musical, y sus fortalezas -espontaneidad y acabatrapismo. Por eso Black Mountain, a pesar de no aportar nada nuevo a la música, merece estar en muchas listas que resuman los mejor del 2011 en el departamento rockanrrolero. ¿Highlights? escúchalo en shuffle y lo encontrarás... bueno, ok, si cae You Keep on Running el highlight es la que caiga después.

Black Lips en The Great American Music Hall. San Francisco, junio 2011.

http://www.black-lips.com

Celebration Hello Paradise

Cuando una disquera firma a un grupo o solista que al final no termina siendo rentable, le rescinden el contrato y adiós. En el caso de la disquera 4AD y el grupo Celebration fue al revés; luego de ver con lógica frustración cómo sus dos primeros discos pasaban bajo los radares del reconocimiento público, el hasta entonces trío -luego se incorporarían invitados ocasionales, de Baltimore, decidió no continuar su camino con 4AD, no por desacuerdos ni fricciones, sino para lanzar su disco independientemente y a través de descarga gratuita en su web -de verdad verdad, esto no fue una estrategia promocional tipo In Rainbows. Les sirve además para relajarse un poco y no pasar por la presión, a veces auto-impuesta, de tener que retribuir con ventas el esfuerzo de una disquera que siempre ha creído en ellos. Además, David Sitek -TV on the Radio, como si hiciese falta aclararlo a estas alturas, pasó su testigo productor al grupo, quien ha logrado filtrarle a su ya místico sonido, un halo de majestuosidad que eleva la experiencia sonora y nos lleva a fundirnos con su psicodelia. Sítaras, pianos, percusión masiva, sintetizadores escondidos y por supuesto, la voz de Katrina Ford; desgarradoramente soul y engañosamente negra, hacen que las 9 canciones de Hello Paradise se conviertan en un corto trip de 38 minutos.

http://celebrationelectrictarot.com

Dave Nada Blow Your Head Vol. 2 - Dave Nada Presents Moombahton

El sobrino de Dave Villegas estaba en edad escolar en 2009 y organizó una skipping party, que no es más que un matiné en la que un grupo de estudiantes falta a clases para divertirse en el garaje de una casa tomando alcohol y bailando. Le pidió a su tío, dj de oficio, que se encargara de la música para entretener a sus amiguitos teenagers. Aceptó con gusto. Primero ellos pondrían algo de música para que un rato después se montara tío Dave. Luego de un rato viendo cómo los mocositos bailaban reggeaeton -todos eran latinos, le tocó el turno al único adulto presente de colocarse detrás del display y hacer que siguieran bailando, pero... él sólo tenía discos de house, un género que obviamente iba a ser un bajón para el público presente que tan bien la estaba pasando a punta de perreo. Intentando que la diferencia de estilos se notara menos, decidió bajarle el tempo a la música que con tanto esmero había elegido para divertir a su sobrino y compañia, logrando unos beats cercanos al reggaeton. Así nació el Moombahton en aquel garaje de Washington. Para presentarle al público la diversión de este género, se lanzó este disco, cuyas canciones han sido elegidas y convertidas en set por Dave Villegas -Dave Nada. South Rakkas, Datsik, Tittsworth y Nadastrom -dúo que tiene Dave junto a Matt Nordstrom, son algunos de los productores que inspirados por Nada, han incursionado en el género y están presentes en el neo-sandungueo que ofrece este disco desde el principio hasta el final, final que significa un broche de oro con la aparición de Lizzie Bougatsos, vocalista de Gang Gang Dance en la canción Releaserpm, original de Win Win con remezcla de Nadastrom.

http://soundcloud.com/davenada

Man Man Life Fantastic

Quien conozca la divertida demencia de este combo Philly estará de acuerdo conmigo cuando digo que son todos unos ENTERTAINERS que saben cómo mezclar magistralmente la balanza entre música y performance. No es sólo el hecho que su concepto y conciertos sean una especie de experiencia carnestolenda sobrecargada de información vista desde la óptica de unas pupilas dilatadas, sino que la ejecución de sus (múltiples) instrumentos -xilófonos, acordeones, violines, pianos, percusión, guitarras, efectos electrónicos y un sinfin de artilugios musicales más, resulta igualmente intoxicante, halándonos del brazo para meternos en la atracción bizarra de una especie de circo noir donde el vaudeville va de la mano con momentos que terminan siendo más dark de lo que podemos apreciar en la superficie. Como en muchos otros discos de este año, la producción dio como resultado un sonido más limpio que sus entregas anteriores, con más detalles y menos saturación. Pero, para alivio de los que nos consideramos seguidores, los momentos caóticos y esquizoides siguen presentes, de otra manera no serían Man Man.

Man Man con Shilpa Ray and Her Happy Hookers en Bimbo's 365. San Francisco, mayo 2011.

http://manmanbandband.com

0,8syooogeki 1 Bo 2 Bo 3 Bo 4 Bo 5 Bo 6 Bo, Toyo Techno

El nombre de este dúo significa: 0,8 Segundos Para el Impacto. El nombre del disco: Ráfaga 1, Ráfaga 2, Ráfaga 3, Ráfaga 4, Ráfaga 5, Techno del Lejano Oriente. Todo podría sonar aún más rebuscado de lo que ya es si no se tratase de nipones, pero ya sabemos que por allá las mentes trabajan de manera diferente, como queda de manifiesto cuando escuchamos las canciones de estos dos tokiotas; un rock fracturado de tiempos acelerados que constantemente cambia de dirección, haciendo que cada tema tenga al menos 5 partes con variaciones de ritmos/velocidades junto a voces femeninas y masculinas que se alternan, todo esto cortesía de JM, la modelo-convertida-en-cantante y el multi-instrumentalista Tōyama Tadaomi. Los ritmos rara vez son lineales, y cuando lo son, duran menos de lo esperado para darle paso a otros distintos en los segundos siguientes. Así se suceden las nueve canciones, de manera aparentemente anárquica, pero realmente preparada y practicada.

http://syooogeki.com

2011-11-29T16:53:00.001-08:00

I'LL HAVE THE GRIMEY DUBSTEP

NOT THE LAME ASS ONE

2011-11-29T16:33:00.001-08:00

TENIS Y PANTIES

NOSTALGIA RECIENTE

Las promos del difunto canal Locomotion fueron legendarias y eran producidas enteramente por su staff, que hasta componía la música. Ya sabemos lo que pasó después; el canal lo compró Sony, sustituyéndolo por el pobre Animax, que además de querer replicar - sin éxito- la esencia de lo que fue el mejor canal latinoamericano dedicado a la animación orientada a un público joven/adulto, cometió el sacrilegio de doblar las series, como para terminar de espantar a los espectadores que seguíamos llorando una pérdida ya definitiva mientras decíamos: Locomotion ha muerto ¡Viva Locomotion!

2011-10-31T22:04:00.000-07:00

There's neither irony nor sarcasm in this top 10. That's to say you're not about to see kitschy album covers for comic purposes. What you're about to see is some real deal scary shit because it's Halloween. You're warned.

Diamanda Galás Plague Mass

Recorded live at the Cathedral of St. John the Divine in New York, the tracks in Plague Mass are the closest we'll be from an exorcism gone wrong. What about the album cover? almost as disturbing as the album sounds.

Die Waffen-SS Alte Kameraden Singen!

An a cappella album by SS veterans shitting out of their mouths can't go wrong scaring anyone who isn't fucked up in the head. Why don't you Die? Waffen-SS... oh! you already did... .

Babasónicos Babasonica

Is he dead? or is he looking at a more frightening thing not shown in the picture?

Electrelane Axes

This girls from Brighton didn't choose blood, dead people or dark entities to achieve a scary album cover. But I'm pretty sure there's blood, dead people and dark entities inside that apartment.

Grouper Dragging a Dead Deer Up a Hill

...and then she came down to drag a dead boy scout.

Add N To (X) On The Wires of Our Nerves

Is there anything scarier than someone taking the music out of you?

Eric Copeland Hermaphrodite

Judging for the intentions behind Copeland's mind, it would've been easy for him to shock anyone unfortunate enough to look at a literal cover of a record with such a name. Luckily, he decided to display other kind of shock. We really appreciate that, Eric.

Half Man Half Biscuit Back in the D.H.S.S.

I don't know why this cover creeps me out a little... well, actually I do know, because it's a creepy one.

LIfelover Sjukdom

Lifelover was a black metal band from Sweden... Ok, now we got the irony.

Mueran Humanos Mueran Humanos

Argentina served as a refuge for some evil Germans. Now Germany is serving as a refuge for this evil Argentinians.

2011-10-16T19:29:00.000-07:00

. . . T H I S H A L L O W E E N

2011-10-08T20:24:00.000-07:00

CHING CHING

Julie LaMendola: Sierra musical / voz

Dan Gower: Piano / coros

Producidos por Kevin Blechdom

Antes se llamaban Ching Chong Song, pero lo cambiaron a Ching Ching debido a un montón de llorones(as) que empezaron a protestar en NY por lo "racista" del nombre; ching chong es una manera despectiva de llamar a los asiáticos en EE UU. Teniendo en cuenta que la intención de este dúo no es ofender a las razas sino a los convencionalistas, aquí aplica el principio tácito de que una "ofensa" sólo es tal si el receptor así la quiere tomar, sea un ching chong, un nigger, un whitey o lo que sea.

Son de Brooklyn, si, pero no tienen nada que ver con la escena musical hipster del condado. Aunque si, también son hipsters, pero de los más desadaptados.

2011-10-05T20:47:00.000-07:00

"It's more fun to be a pirate than to join the navy"

Steve Jobs (1955-2011)


2011-09-28T20:25:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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CIBO MATTO

Con THE CHAIN GANG OF 1974

en Bimbo's 365

25 de junio

La mejor manera de enterarte que en un par de semanas vas a ver a uno de TUS grupos, es topándote con una marquesina que te lo informe mientras caminas por la noche en busca de un bar. Eso sí, no invites a quienes te acompañan en esa búsqueda si se trata de veinteañeros con más sed de alcohol que tú.

Photo by Michaelz1

Those were the days

Mi primer contacto con estas japo-nuyorkinas fue durante un madrugonazo por ahí en 199?, cuando vi el video de Know Your Chicken en MTV y lo tomé como un chiste musical que no me daba risa. Poco después, cuando vi el de Sugar Water en otro madrugonazo, fui menos prejuicioso/obtuso, aunque tampoco salí corriendo a buscar sus discos. No fue sino luego de un par de años cuando, atraído por su portada en los anaqueles de Esperanto, compré el Stereo Type A -1999- para engancharme instantáneamente. La semana siguiente regresé por Viva! La Woman -1996-. Pero justo por aquella época se separaron y nos dejaron a miles con ganas de escuchar algo nuevo.

These are the days

Luego que a principios de los 00's Yuka y Miho partieran caminos para hacer -adorable- música por separado, llega el terremoto/tsunami japonés en marzo de 2011, impulsándolas a reunirse y hacer un par de conciertos benéficos junto a gente como Sonic Youth, MIke Patton y Patti Smith. Terminan saliendo tan bien que el par de expatriadas decide girar más allá de Nueva York y darle el gusto a otras ciudades de volver a escucharlas. Un gusto que muchos más tendremos en 2012 cuando su nuevo disco esté listo, como ya anunciaron.

La 4ta. parada del grupo fue San Francisco, en el evocador club Bimbo's 365, que está en la zona italiana de la ciudad; Little Italy, así que da gracia imaginar las caras arrugadas de los vecinos al ver esa marquesina que anunciaba Cibo Matto -Comida Loca en italiano.

Lo que no estuvo gracioso fueron los momentos previos al concierto. Por culpa de los veinteañeros con tendencia al alcoholismo del 1er. párrafo, estaba retrasado y lejos del lugar, lidiando además con una ausencia de taxis lo suficientemente estresante como para sudar estando a 10° ó 12°. Los teloneros ya habían terminado su show mientras yo seguía esperando en una avenida distante bajo una llovizna que estaba haciendo la situación más tragicómica. Hasta que apareció el taxi salvador y aproveché para deshacerme de los ya-casi-borrachos para abordarlo con l@s-aún-sobri@s. Acelerador bien balanceado; lo suficientemente apretado como para llegar rápido y lo prudentemente soltado como para no chocar contra algún poste. Mientras tanto, las protagonistas estaban montadas y habían tocado Beef Jerky, Le Pain Perdu, Sugar Water y Spoon. -me enteré después de ver el setlist aquí.

Cibo Matto at Bimbo's 365. June 25th. 2011. Photos by Michaelz1

Cuando por fin tuve la dicha de traspasar la puerta de entrada, las vi acompañadas de nuevos músicos -ni Sean Lennon, ni Timo Ellis- mientras Miho iba por la mitad de sus rapeos en BBQ. Justo después empezaba las melodía apacible de Moonchild, que resultó totalmente terapéutica para mi, era como si me dijeran "tranquilo, ya estás aquí".

Y si, al menos estuve ahí a tiempo para escuchar también Tenth Floor Ghost Girl, una canción nueva, durante la que salieron a escena como 5 personas cubiertas con sábanas en modo fantasma cutre. También a tiempo para rapear con ellas -sin gritar, la gente quiere escuchar al grupo, no a un fan que quiere demostrar que se sabe las canciones- esas letras absurdas y divertidas de Sci-Fi Wasabi y Birthday Cake: los momentos más eufóricos de la noche.

Todos los presentes sabíamos que en el encore iban a tocar Know Your Chicken, pero antes lanzaron la densa y viscosa Blue Train, estoy seguro que para sorpresa de muchos. La canción del pollo anarco-punk fue la última de la noche, para los coros invitaron a acompañarlas en tarima a los de Chain Gang of 1974, de los que se nota que Miho Hatori no tenía idea:

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Miho: ...and now with us: Chain Gang of 19...

Yuka: 74!

Miho: ...Yeah!!! 74!!!

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Al salir del salón principal vimos que estaban encargadas de la mesa con merchandising en el "lobby" del local, oportunidad para conocerlas. Franela comprada, foto tomada, franela firmada. Final con recompensa luego de un comienzo con angustia.

¡Welcome back & bon appétit!

yeahbasicallycibomatto.com

2011-09-06T22:09:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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YELLOW MAGIC ORCHESTRA

Con PREFUSE 73

en The Warfield

27 de junio

Era la primera vez desde el '81 que Yellow Magic Orchestra tocaba en los States; un pequeño gran acontecimiento que movió a gente de otras ciudades hasta la "sucka free city". Había que estar en el regreso de los Kraftwerk japoneses.

Por motivos de constante y divertida sobreactividad no había comprado mi entrada, eso lo dejé para última hora al mejor estilo veneco. Así que unos 20 minutos antes que comenzara el show me abría paso por las calles entre gente que caminaba a velocidad de crucero porque no estaban ansiosos temiendo perderse a YMO. Unos cuantos "excuse mes" y "sorries" después, llegué hasta los poco transitados alrededores de la cuadra dark, generalmente tomada por gente homeless, donde está el teatro. A primera vista parecía que era demasiado tarde, que ya la cosa había empezado y conseguir entrada iba a ser pura ilusión, pero las 9 ó 10 personas alineadas frente a la puerta eran una esperanza. También estaban ahí para comprar sus entradas a último minuto, uno de los bouncers me dijo que si quedaban... y suficientes. Los que estábamos en la cola nos preguntábamos cómo podían quedar tickets para un concierto de esa talla y estando a punto de comenzar. Era un alivio que no estuviese sold out, pero al mismo tiempo nos extrañaba a quienes agradecíamos nuestra suerte minutos antes de entrar.

Traspasada la entrada del teatro.

Unos que otros beats hip-hoperos enterrados bajo los ruidos digitales de Prefuse 73 fueron los anfitriones que me dieron la bienvenida cuando llegué desde mi 1ra. estación obligada; la barra, hasta el balcón 4 para buscar el asiento 22 en una sala cuyo 2do. piso estaba lleno... de sillas vacías ¿Acaso ahí estaban todos los que viajaron desde otras ciudades + todos los seguidores de SF? no creo que haya habido mucho más de 1000 personas en un teatro que tiene capacidad para 2250. Lo bueno es que en mi fila de asientos sólo 3 estaban ocupados -contándome-, así que el confort era total, por lo que quiero agradecerle a unas 1000 personas random el hecho que se hayan quedado en sus casas ahorrándose $59,50 que seguro gastarían el próximo viernes en una discoteca bailando Pitbull.

Incluido como telonero apenas un par de semanas antes del concierto, Scott Herren -A.K.A. Prefuse 73- se refugiaba tras su laptop y consola junto a un músico invitado que hacía lo mismo. El repertorio elegido fue su lado más ambiental, sólo de vez en cuando sonaban algunos breakbeats que se abrían paso entre la gruesa película de ruido blanco que estaba cubriendo la sala, siendo la mayoría de su set un paisaje abstracto que hubiese ganado mucho más con las pistas de esas voces femeninas recurrentes en sus discos; Zola Jesus, Trish Keenan -R.I.P.-, Claudia Deheza, etc. En fin, lo diferente que es su música a la de YMO hizo que unos cuantos hayan dicho que terminaron siendo un telonero-a-última-hora-innecesario. Para mi fue un preludio que mereció atención y aunque tenía poco o nada que ver con lo que vendría después -electrónica, el único punto en común-, estuvo a la altura.

Luego de la pausa respectiva, en la que me dio tiempo suficiente para volver a la barra por otro ½ litro de Stella, caminar por el hall -en ese momento desierto, todos sentados adentro en la sala- viendo en sus paredes las fotos enmarcadas de músicos tocando ahí en los últimos años y regresar a mi asiento con parsimonia grosera, comenzó YMO.

Oscuridad casi total en el teatro y un intro de esos que le dan suspense al arranque de un show; tonos del tipo ambiental con tensión cinematográfica que causaban ansiedad generalizada en el público, queriendo saber de una vez con cuál canción iban a empezar el repertorio. Hasta que soltaron las melodías orientales de Firecracker, dimos una ovación-flash para no interrumpirlas y ahí mismo todos en absoluto silencio dejando que los ritmos electro-pop pionero del grupo fuesen los únicos sonidos presentes. Todos sentados, tratando de bailar lo menos efusivamente posible en nuestros respectivos asientos para no vernos ridículos a medida que sonaba clásico tras clásico; Seoul Music, Behind The Mask, Cosmic Surfin', Rydeen... Ryuichi Sakamoto frente a su sintetizador, cantando con vocoder, megáfono o a micrófono limpio, según lo pidiera la canción, mientras la dupla Takahashi / Hosono lo acompañaban en las voces, sintetizadores y bajo junto a 3 músicos adicionales encargados de más sintetizadores y batería. Pocas palabras entre tema y tema, que sonaban con impecable ejecución, digna de unos experimentados profesionales japoneses. El encore fue de 2 canciones, la última de ellas Tong Poo, otra de las -más- legendarias del grupo. Luego sí pudimos dar la ovación extendida que tanto estábamos queriendo dar desde un principio.

2011-08-03T13:44:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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THE RAVEONETTES

Con TAMARYN

en Bimbo's 365

10 de mayo

Los daneses Raveonettes iban a darle música a un local testigo de la época del jazz y la prohibición, del nacimiento del rock, las guarradas punk y la diversidad de alternativas musicales contemporáneas. Un lugar con clase y elegancia de décadas lejanas, donde puedes imaginar vendedoras de cigarros que pasean por sus instalaciones mientras mujeres que fuman con boquillas de 10 cms. se ríen de chistes que hombres de negocios les cuentan para terminar de hacerlas caer. Todo esto musicalizado por la respectiva big band que se da duro sobre el escenario. Cualquier show aquí -imaginario o real- es una experiencia para recordar.

No sé a cargo de quién estuvo la elección del acto telonero; si del manager de Raveonettes, de los propios Raveonettes o de algún departamento del local. Pero haya sido quien haya sido no pudo haber encontrado a nadie más acertado que Tamaryn.

Con un sonido shoegazístico entre la psicodelia casi ambient de Mazzy Star -aura gótica incluida - y la disonancia en slow motion de Raven in the Grave -el nuevo disco del dúo danés protagonista de la noche- la música de este otro dúo, la neozelandesa Tamaryn y el productor Rex John Shelverton, asistidos en tarima por otro par de músicos, fue la antesala perfecta. Tanto, que de haber sido posible técnica y logísticamente, el final de su set pudo haberse mezclado con el comienzo del de Raveonettes en un mash-up de ensueño. Luego busqué el único disco que tienen hasta ahora; The Waves -2010- y di con los nombres de la canciones. Títulos como Love (Fade), Haze Interior, Choirs of Winter, Dawning o Cascades dan una idea de la melancolía reverberante de su sonido.

Una vez terminado el primer acto, las cornetas se encargaron de amenizar el intermedio con un pop vocal de antaño, seguramente grabado en 78 RPM. Aunque no estoy familiarizado con los artistas musicales de aquella época -30's, 40's-, una investigación rasante por la web me hace estar casi seguro que se trataba de cantantes como Bing Crosby, Mel Tormé o Johnny Mercer.

Una vez que música y luces se iban por fade, todos nos callamos para recibir a Sune Rose Wagner y Sharin Foo, quienes vinieron acompañados por otro par de músicos a los que les tocaba encargarse de 2 baterías y 2 guitarras adicionales.

Comenzando con 3 canciones nuevas que mantenían el mood -aunque con más personas ya- de Tamaryn, un sonido fuerte pero con más melancolía que descarga; Recharge & Revolt, War in Heaven, Apparitions y unas cuantas más del disco nuevo para presentar más de la mitad de sus canciones recientes. Del Whip it On -2003- sonó My Tornado y Attack of the Ghost Riders con los dos bateristas dándole al unísono mientras Sune y Sharin los acompañaban con las cuerdas ¿o era al revés? Noisy Summer del Chaing Gang of Love - también 2003- también cubrió las expectativas noisy, The Love Gang fue la otra que tocaron de aquel disco. Pero del In and Out of Control -2009- sólo se acordaron de Heart of Stone, me quedé con ganas de escuchar Breaking into Cars o Break Up Girls, por ejemplo.

The Raveonettes at Bimbo's 365. May 10th. 2011. Photo by Kevin Henderson. Published by SF WEEKLY

Las canciones se sucedían sin escuchar palabras de ninguno de los dos, hasta que por ahí en la 5ta. Sharin, sonrisa sumisa en cara, explicó: "We get shy when we come to San Francisco, I don't know why". Pero no importa qué tan tímidos hayan estado, la ejecución de las canciones era perfecta, densa, al igual que la iluminación, tenue y a veces sólo a cargo de los neones verticales que tenían de background.

Tal vez el día siguiente Sune se iba a dar una pasada por el Beat Museum, que está a pocas cuadras de Bimbo's. Este museo honra la obra y memoria de Jack Kerouac, a quien el músico danés tiene tatuado en su brazo derecho. "If you haven't visited The Beat Museum ...you don't know Jack" dice un afiche en la entrada. Seguro ese día habría un grupo de fans de The Raveonettes esperando ver a por lo menos uno de sus integrantes para decirles lo bueno que estuvo el show. Lo merecían.

2011-07-27T21:06:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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ECHO & THE BUNNYMEN

Con KELLEY STOLTZ

en The Warfield

19 de mayo

Cuando la trayectoria de un grupo se remonta a más de 30 años y 13 discos, seguirle la pista a todo su material se convierte en una tarea que sólo los fanáticos más entregados están dispuestos a hacer. Pero para aquella noche el repertorio de ese grupo, Echo & The Bunnymen, iba a consistir únicamente de sus 2 primeros -y legendarios- discos; Crocodiles -1980- y Heaven Up Here -1981-, que serían tocados de principio a fin en el no menos legendario TEATRO The Warfield.

la zona < EL TEATRO

A lo largo de Market Street -una de las principales avenidas de la ciudad- se aprecian diferentes caras de San Francisco, una de las menos agraciadas es justamente donde está The Warfield. Si vas caminando desde el downtown sabes que estás cerca del lugar porque justo en esa cuadra el ambiente se torna dark; a veces el piso está cubierto de papeles, pedazos de periódico y basura de poco peso dando vueltas en mini-remolinos, mientras sorpresas como huesos de pollo pueden convertirse en obstáculos que tus zapatos no querrán fallar. Es además una cuadra donde se concentran grupos de homeless y personas de dudosos hábitos, que si bien pueden lucir intimidantes, no llegan más allá de pedirte "cambio". Ahí está The Warfield, al lado de un strip club que se llama Crazy Horse.

Con una fachada modesta y una marquesina que ha llevado rosca desde quién sabe cuándo, entrar a este TEATRO es como cruzar un portal hacia el apogeo de la época victoriana. Con su hall de entrada donde hay una pared llena de posters enmarcados que muestran a un montón de artistas en plena acción sobre su escenario y conducen al pasillo que te llevará hasta cualquiera de las entradas al recinto principal; un TEATRO majestuoso -86 años de historia- con 3 niveles desde donde 2250 personas pueden disfrutar una visual privilegiada del show. Una vez dentro, sólo te puedes preguntar ¿Esto de verdad queda acá?

Mi lugar para esa noche era en general admission, que para este concierto estaba libre de sillas. Sobre nosotros, las filas de asientos enumerados, todos ocupados. Lo primero, ir a una de las 3 barras para la cerveza respectiva; un vaso como de un litro que iba a campanear durante al menos la primera mitad del show de los Bunnymen, que estaba arrancando... ahí me di cuenta que llegué tarde para ver al telonero, Kelley Stoltz. Sorry Kelley, directo al grano. Ya Ian McCulloch saludaba a la ciudad antes de comenzar la 2da. canción mientras me abría paso entre punks encrestados, señores de 50, gente contemporánea y miembros del staff estresados.

La primera parte del set fue Crocodiles con una dosis extra de fuerza. El sonido era perfecto aliado de la contundencia con la que estaban tocando aquellas canciones de 1980; Monkeys, Crocodiles, Villiers Terrace, Read it in Books, Happy Death Men, cambiaban sus guitarras limpias, típicas del post-punk, para darle un carácter que tenía más punk que post. Seguro los encrestados se estaban dando banquete, en realidad, todos nos lo dábamos, era imposible no cabecear con tanta intensidad. Al terminar de tocar ese disco, nos dieron un par de canciones extra, una de ellas Walk on the Wild Side de Lou Reed.

Echo & The Bunnymen at The Warfield. May 19th. 2011. Photo by Paige K. Parsons. Published by The Color Awesome

Una vez terminado el 1er. set del concierto, había un break de unos 15 minutos, "go out and smoke a cigarette... or whatever" sugería Ian.

Si todo el disco Crocodiles sonó potente, no podía esperar para escuchar cómo iba a sonar Heaven Up Here, el siguiente disco, que originalmente es más denso y fuerte. Hasta que arrancó Show of Strength con toda la masividad sonora esperada. El público inmerso en el performance, siendo parte de un show de colección y pasándola igual de bien que el propio Ian, famoso por su temperamento y comportamiento impredecible, pero que esa noche estaba en el mejor de sus humores: "even a shitty mood can go away when we perform here", había dicho al principio de la noche -en la que no paró de fumar-. With a Hip y Over The Wall siguieron llenando el teatro de power mientras el grupo, cuyos únicos miembros originales eran Ian y el guitarrista Will Sergeant, demostraba total dominio del repertorio, dándole además ese toque extra de adrenalina.

Echo & The Bunnymen at The Warfield. May 19th. 2011. Photo by Paige K. Parsons. Published by The Color Awesome

Tocado todo el Heaven Up Here, hicieron la despedida-fake reglamentaria para dejar el escenario y ver qué tan duro -y durante cuánto tiempo- podíamos aplaudir hasta que se montaran otra vez. Se hicieron rogar, tal vez durante unos 5 minutos les estuvimos inflando el ego a punta de aplausos. Y entonces salieron. Ian dijo "this is one of the five best songs in history" y arrancó la que muchos pensamos iba a ser una gran ausente por no pertenecer a ninguno de los 2 discos de la noche: The Killing Moon. Sin embargo a mitad de canción Ian mandó a parar al grupo y volver a empezar, esta vez no la cantaría él sino el público. No estoy seguro si lo hizo para darle interacción al show o simplemente porque no le provocaba cantarla.

Una noche que pudo haber sido de música nostálgica sino fuera por el hecho que ha influenciado a tantos grupos y artistas actuales que la han mantenido vigente y siempre presente. Si Ian si, genial.

2011-07-18T23:19:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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BLONDE REDHEAD

Con THE LUYAS y BASS DRUM OF DEATH

en The Independent

30 de junio

Casi dos meses antes de este concierto en The Independent, hubo dos fechas en las que tocó TV On The Radio y no pude ir porque las entradas, como era de esperarse, quedaron sold out. En ese mismo momento, mientras lloriqueaba, vi en la agenda del local a Blonde Redhead, así que tomé las previsiones necesarias y compré la entrada instantáneamente. Pocas semanas después también quedaron sold out.

Con grupos de tal calibre es comprensible que se agote la disponibilidad de tickets, pero cuando te enteras que el local puede albergar a un máximo de 500 personas te das cuenta que debes comprar el tuyo con al menos un mes de anticipación si de verdad quieres ir. Esa precaución traerá como recompensa ver a algunos de tus artistas preferidos en un local con sonido perfecto, iluminación inmejorable y ambiente privilegiado por la cercanía e intimidad.

Para la tarde de aquel día tenía un inesperado e indeseado viaje a Sacramento por motivo de inesperadas e indeseadas diligencias relacionadas con Cadivi. Y aunque de San Francisco a la capital californiana sólo hay hora y media en tren, el reloj corría y la puntualidad estadounidense de los conciertos me hacía temer lo peor.

Sin embargo sólo me perdí a Bass Drum of Death, el primer acto. Luego se montaron los canadienses The Luyas para tocar su evocadora música de carácter totalmente indie y actitud experimental que por momentos me recordaban a Deerhoof. Se notaban algo tímidos por preceder a Blonde Redhead, "Es increíble estar abriéndoles, es como venir a verlos gratis" decía su vocalista, Jessie Stein. El público no estaba muy receptivo; en las partes calmadas de las canciones se escuchaba más a la gente hablando que al grupo. Además de eso, los aplausos tenían más dosis de educación que de emoción, algo injusto teniendo en cuenta lo interesante de la propuesta, que si bien no vino acompañada del performance más deslumbrante de la historia, merecía un mayor reconocimiento.

The Luyas at The Independent. June 30th. 2011. Photos by Mikka Skaffari. Published by The Owl Mag

Luego llegó el trío que estábamos esperando; la japonesa Kazu Makino y los gemelos italianos Amedeo y Simone Pace.

Penny Sparkle esconde más de lo que viejos seguidores de Blonde Redhead han encontrado. Sólo es cuestión de tiempo hasta afinar el oído y ponerlo a tono con la nueva dirección del grupo. Cada vez más lejos del rastro avant-garde que los caracterizó en su primera etapa -dentro de la que habían momentos de melodía y mood-, han venido relajándose con el tiempo, desligándose de la experimentación ruidosa y orientando su sonido totalmente hacia direcciones de tranquilidad, cada vez con mayor participación de sintetizadores. Así prefieras al BR ruidoso sobre el BR moody, debes reconocer que ambos suenan como lo que son: músicos de alto nivel haciendo música de alta factura. Y eso es lo que tuvimos aquella noche en The Independent.

Blonde Redhead at The Independent. June 30th. 2011. Photos by Mikka Skaffari. Published by The Owl Mag

La siempre provocativa Kazu salió con una chaqueta de la que luego se iba a despojar para seguir contoneándose con más comodidad y danzar en trances que deben haber mantenido al público hipnotizado -no estoy seguro de eso, me encontraba demasiado hipnotizado como para ver a los demás-. Pero cuando le tocaba cantar a Amedeo, ella nos daba la espalda y se mantenía estática tocando su guitarra. Respeto y consideración japonesa.

Era de esperar que el set estuviese compuesto principalmente del BR moody, con mayor presencia de Penny Sparkle; Here Sometimes, Not Getting There, Black Guitar y la propia Penny Sparkle fueron las elegidas de su más reciente entrega. In Particular -Melody of Certain Damaged Lemons, 2000-, Falling Man -Misery is a Butterfly, 2004- Dr. Strangeluv -23, 2007-, fueron algunas de las otras que tocaron bajo una iluminación tenue, que hacía la experiencia aún más etérea.

Obviamente en el encore sonó Equus. Kazu cantaba con distintos tonos sobre la pista de su voz en la canción original, dándole doble textura y un sentido de urgencia extra. El final de la canción se convirtió en un jamming vocal donde sus gritos tomaban frecuencias dramáticas a los que la batería de Simone y la guitarra de Amedeo complementaban en una descarga que provocó la ovación final del público. Así se cerraba una actuación impecable reservada para las 500 personas que compramos nuestras entradas con suficiente anticipación. Inolvidable.

2011-07-14T16:55:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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BLACK LIPS

Con CEREBRAL BALLZY y PERSONAL & THE PIZZAS

en The Great American Music Hall

11 de junio

En la página de esta sala de conciertos se refieren a Slim's -el local donde tocó Wire en abril- como su club hermana... si, en femenino -¿?-. Más allá del género, la comparación no está descabellada teniendo en cuenta que ambos lugares ofrecen conciertos de grupos con vena rockera independiente, poco masivos pero valorados por pequeñas legiones de seguidores. Aunque si lo anterior significa un vínculo sanguíneo, ambos lugares tienen unos cuantos hermanos -y hermanas- no reconocidos dispersos por todo San Francisco.

Sin embargo TGAMH es uno de los que más resalta. Con su decoración vintage y grandiosa, compuesta por columnas y detalles en madera que hace juego con su tamaño; a mitad de camino entre pequeño y mediano. Su capacidad es para alrededor de 600 personas de pie frente al escenario y unas 200 más en los balcones del segundo piso que rodean el escenario y la "arena", de las cuales 100 pueden estar sentadas. Directo a reservar mi silla en el balcón izquierdo cerca de la tarima. En el segundo piso unas camareras te sirven lo que quieras comer o tomar, así que no hay necesidad de ir hasta la barra con riesgo a perder un puesto casi perfecto desde donde puedes descubrir el porqué Black Lips ha tenido tanto hype y buzz por parte de público y crítica.

Con un nombre como Personal & The Pizzas no me hago muchas expectativas acerca del primer grupo en tocar. Con pintas y concepto visual rockabilly-ramonesco, la música de estos señores puede hacerlos clasificar en un concurso donde se busque una banda que versione Ramones. Ni más ni menos, es decir, no suenan mal, entretienen por un momento, pero luego quieres que se bajen y pongan un disco de Ramones hasta que se monte Black Lips. Por cierto, tienen una canción que se llama Joey cantada con la melodía de I Wanna Be Your Boyfriend. Una combinación bastante Personal.

Cerebral Ballzy

Cerebral Ballzy: Hardcore desde Brooklyn con unos jóvenes adrenalíticos que obviamente son fans de Dead Kennedys. Sus canciones de entre 1 y 3 minutos a toda velocidad y gritos que no revelaban ni una pista acerca de lo que decían, encendieron la olla en el dancefloor, comenzando a calentar al público que esa noche había ido a por todo. En The Great American Music Hall no sólo el público tiene casi total libertad para descargar su energía pueril, también el grupo; el cantante del combo hardcorero se lanzó repetidas veces al público quien lo paseó por la zona de la olla antes de regresarlo a la tarima, donde brincaba y seguía gritando. Todo muy divertido, eso sí, viéndolo sentado, tomándome una cerveza y hablando con los vecinos del 2do. piso; una pareja de Puerto Rico que me decía que en la isla también se escucha "música chévere".

Tiene sentido, chévere es cool, cool es hip y hip es Black Lips, quienes están apoyados por los más hipsters del momento: Vice Records.

Desde hace tiempo me pregunto si es que no tengo la capacidad de apreciar al 100% algo tan cool como este grupo de post-teenagers que sí, hace una música cruda, con energía, pero que necesitaba algo más de producción. Sin embargo al escuchar Arabia Mountain, el disco nuevo, comencé a engancharme -incluso con los otros discos-. Con un nuevo productor que les ha hecho un inmenso favor al pulir el sonido del grupo sin sacrificar sus guarradas caraterísticas. Ahora se aprecia mejor aún su fuerza. Y no hizo falta sobreproducirlos para que grabaran su hasta ahora, mejor disco.

Sus shows en vivo son el hecho por el que han causado más buzz. Esa inclinación a vomitar, besarse entre ellos, incendiar instrumentos, desnudarse y demás gimmicks sacados de la agenda del shock atraen a la gente. De hecho fue parte de lo que me llevó a verlos.

Pero esa noche estuvieron tranquilos, han crecido y madurado, ya son unos hombrecitos en sus veintes; la edad promedio del público en el 1er. piso, quien en todo momento desató el caos que no se veía en tarima. Moshpit, stage dancing, crowd diving, beer throwing y demás demostraciones de adrenalina concertera con nombres en inglés fueron la constante, muy al contrario de su local "hermana" Slim's, donde todo eso queda prohibido. La perfecta visual desde mi área del balcón hizo que me arrepintiera de no llevar -casi- nunca una cámara a los conciertos, hubiese podido tener un álbum completo de antología llamado "Moshpit, stage dancing, crowd diving, beer throwing". Por el contrario, el grupo se limitó a dar brincos y de vez en cuando batear con la guitarra vasos de cerveza medio vacíos. Aparte de eso, tocaron.

Black Lips at The Great American Music Hall. June 11th. 2011. Photos by Victoria Smith. Published by SFCRITIC

Mi playlist pre-concierto empezaba con Sea of Blasphemy -Los Valientes del Mundo Nuevo, 2007-, seguida de Family Tree -la que abre el disco nuevo-, justamente las 2 primeras canciones del set. Modern Art y Dumpster Dive son otras de las nuevas que recuerdo, a parte de O Katrina -Good Bad Not Evil, también de 2007- y unas cuantas más que no había escuchado pero me mantuvieron igual de satisfecho que el resto del repertorio. Con un sonido mucho mejor que el de sus discos antes de Arabia Mountain, la actitud desatada del público era comprensible, el rock de bar acabatrapo que salía de las cornetas era suficiente para entender el buzz que causan sus shows más allá de su comportamiento en tarima. Los tipos prácticamente acaban de salir de la adolescencia, pero la confianza y soltura con la que tocan hace que la música fluya en un mar de euforia en el que todos los presentes están dispuestos a ahogarse.

Entré medianamente escéptico y salí convencido, con disco y franela nueva. Black Lips rocks, y en vivo más.

Black Lips at The Great American Music Hall. June 11th. 2011. Photo by Victoria Smith. Published by SFCRITIC

2011-07-13T00:16:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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THE PIPETTES

Con AGENT RIBBONS y THE BITTER HONEYS
en Rickshaw Stop

18 de abril

Who are The Pipettes?
Couldn't care less
Going right away
Cuz Agent Ribbons will play!

Durante una noche sin rumbo frente la pantalla del laptop, mi soundtrack del momento era Chateau Crone, el 2do. disco de Agent Ribbons. Probando suerte y tentando al destino para que ese soundtrack fuese en vivo decidí ir a la página de ellas en Last.fm y consultar su agenda de conciertos -si es que esos días tenían agenda-... ¡Bingo! en un par de semanas a 5 minutos en autobús. I ♥ SF!

Rickshaw Stop era el lugar. Los 5 minutos del autobús fueron seguidos por unos 15 de búsqueda casi infructuosa, sabía el nombre de la calle pero no tenía una 2da. -y definitiva- referencia. Y es que no hay cartel, señal, ni mucho menos marquesina. Hasta que lo conseguí, una puerta -tamaño standard- abierta con parte del "staff" dentro es lo único que puedes esperar ver desde afuera si lo andas buscando. Es un bar pequeño en el que tal vez poco más de 200 personas pueden estar en contacto con los grupos, artistas o DJs. Con un segundo nivel en el que hay un área de fumadores -poco común teniendo en cuenta que es un área cerrada- y una tarima apenas elevada. Este es el local al que quieres ir a ver tocar alguno de esos grupos o artistas que sólo tú crees escuchar.

El sentido de pertenencia que tienes por esos autores musicales que escapan a la apreciación masiva puede aumentar en Rickshaw Stop. El mio lo hizo al ver como podía caminar con libertad alrededor del local, ir a la barra, regresar al dancefloor y elegir la distancia que me separaría de la tarima. Somos pocos -reflexionaba-, no sólo en el local sino en general, somos pocos.

The Bitter Honeys estaba empezando su set cuando llegué, era el principio de una noche dedicada al espíritu "girl group", donde los 3 grupos estaban liderados por mujeres. El show de este quinteto de San Francisco reside en sus 3 cantantes -una de ellas también bajista-, quienes con el requerido look vintage de principios de los 60's, cantan melodías a lo Ronettes o Shirelles, con coros a lo shoobi dubi doo oh! y coreografías que contagian al público con su buena vibra. En definitiva, hay que ser muy amargado para no pasar un buen rato con The Bitter Honeys.

El 2do. grupo telonero era Agent Ribbons -originarias de Sacramento y mudadas a Texas-: la razón por la que estaba ahí, así que me coloqué en la 1era. fila, justo frente al micrófono de Natalie Gordon. Este dúo femenino hace una música que puede ser sencillamente clasificada como indie rock, pero en realidad es más que eso, su sabor a psicodelia cabaretera la hacen más que eso. Natalie Hess complementa con su batería -y ocasional acordeón- a la guitarra de Gordon, haciendo que el sonido en vivo tenga el músculo suficiente como para rockear duro en momentos donde las canciones lo piden y el distortion se activa. Rockearon duro y también se suavizaban con canciones como I Was Born to Sing Sad Songs. Me hubiese gustado que tocaran Wallpaper of Skin y/o I Let You Be My Baby para ver a Gordon actuando a medida que las cantaba, como hizo durante toda la presentación, aunque me complacieron con I'm Alright y Your Hands, My Hands, por ejemplo. Es obvio que cuando ella escribe y piensa un tema, lo hace teniendo totalmente en cuenta la manera como lo va a actuar mientras lo canta. Un performance teatral, atractivo y divertido que en algunos momentos nos arrancó risas a varios en el público.

Aunque ellas dos son suficiente para que su música suene completa en vivo, con fuerza o nostalgia según la canción, unos músicos invitados que se encarguen del violín, piano u otro instrumento de los que suenan en los discos, serían un gran plus. Pero si tuviese la oportunidad de verlas 10 veces más, con o sin músicos invitados, iría las 10 veces.

Luego vino el acto principal, The Pipettes -Brighton, Inglaterra-, de quienes sólo había visto un video en youtube poco antes de salir al toque para tener al menos una referencia. Un grupo en el que todos los instrumentos los tocan hombres, siendo dos chicas las caras/voces de un indie-pop fácil de escuchar, de melodías chiclosas y sintetizadores complacientes. Aunque es una música lista para sonar en algún comercial de toallas sanitarias femeninas, es lo suficientemente entretenida como para escucharla en vivo, aunque no sé si algún día busque sus discos.

Una noche girlie donde hubo reminiscencias vintage, cabaret, rock y pop en un lugar cuya atmósfera es de total cercanía.

Bien por Rickshaw Stop

Agent Ribbons rocked!

2011-07-06T17:37:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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THE GO! TEAM

con BEAT CONNECTION

en Mezzanine

20 de abril

Mi 1era. vez en este sitio fue el día de CSS. Esa vez, al terminar el show de los brasileros y antes de traspasar la puerta de salida, di con la mesa de flyers; donde estaba el que anunciaba a The Go! Team para unos días más tarde.

Y llegó la noche de unos días más tarde, la fecha: 20/4/2011, que si la escribes intercambiando el día y mes como los estadounidenses, queda 4/20/2011. Una fecha que quienes están en San Francisco se toman muy a pecho. Toda una tarde en el Golden Gate Park bailando el dubstep más trancao e interesante que he escuchado bajo un cielo nublado por las miles de personas que pululábamos sonrientes sus más de 4 km².

Terminada la diversión a la luz del día, era hora del show. Para comenzar, el dúo Beat Connection -nombre que honra a LCD Soundsystem- se montó en tarima para hacerse cargo de sus laptos, teclados y guitarras, en una primera impresión que recordaba a Ratatat -por aquello de dúo que usa electrónica y guitarra, aunque los de Brooklyn les llevan años luz-. Ritmos de corazón palpitante acompañados por guitarras melódicas que si bien no ofrecían algo nuevo o diferente, servían de excusa para que la espera por el show principal fuese entretenida y sirviera para calentar el cuerpo antes de la euforia venidera.

Una vez terminado el toque de Beat Connection entrábamos en los 40 minutos de intermedio. Mi temor era que el encargado de musicalizar ese intermedio fuese el mismo -y terrible- DJ de la noche de CSS. Por suerte fue otro. Entre remixes de TV On The Radio y música aceptable pasaron los minutos hasta que las dos baterías, los teclados, guitarras y micrófonos empezaran a ser utilizados por el sexteto de Brighton.

Comenzando la diversión y los géneros mezclados, sonó T.O.R.N.A.D.O., canción que abre Rolling Blackouts, su nuevo disco. A mi lado, en 2da. fila, estaban dos tipos con pinta de Harley boys; altos, gordos, cabezas rapadas y bigotes que complementaban sus caras de culo mientras sorprendentemente se movían al ritmo de la música y asentían con la cabeza en aprobación de lo que estaban viendo y escuchando. Tratando de no chocar contra ellos en los momentos de mayor euforia y movimiento siguieron sonando las canciones que esperaba; Bottle Rocket, Grip Like a Vice, Yosemite Theme y demás, con las que se hace imposible no divertirse, más aún si tienes a Ninja -frontgirl y cantante en la mayoría de las canciones- brincando y desplegando un show explosivamente energético que explica el six-pack de su abdomen.

Antes de tocar Ladyflash, nos pidió al público que nos separáramos un poco para que formáramos dos "equipos"; los de la izquierda y los de la derecha, el objetivo: ver quiénes hacían más ruido coreando las canción. Por la cantidad de gente -y los Harley boys- decidí no esforzarme en quedar de un lado u otro, así que permanecí relativamente en el medio. Ninja aprobó mi posición: "you can stay there singing for both sides". Ok, i will do that!

Ninguno de los integrantes de Deerhoof -locales de San Francisco- se encontraba en la ciudad por tener una apretada agenda de toques por Europa. Por lo tanto no estaba su vocalista, Satomi Matsuzaki, quien es la voz invitada en Secretary Song, canción del disco nuevo de The Go! Team. Sin embargo el testigo lo tomó su compatriota Kaori Tsuchida, guitarrista, tecladista y vocalista del grupo inglés. A decir verdad era como escuchar a Satomi, así que todos satisfechos.

Un concierto que nos dio la energía que esperábamos, lleno de rush y diversión. La mejor manera de combinar cansancio y felicidad mientras se cerraba un día totalmente hedonista. Go! The Go! Team Go!

Ninja imitando la actitud de la típica negra badass norteamericana en uno de los momentos más relajados del concierto.

2011-07-01T01:48:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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TAME IMPALA

Con YUCK

en The Fillmore

18 de abril

Cualquier artista debe sentirse realizado por tocar en The Fillmore; uno de los más importantes auditorios de San Francisco. Con capacidad para alrededor de 1200 personas, su acústica, iluminación y presencia hacen que un show se convierta en una experiencia digna del recuerdo a largo plazo para quienes estuvieron frente al escenario y sobre él.

Los primeros en comenzar a elaborar sus futuros recuerdos fueron los ingleses Yuck; con el nuevo shoegaze que tanto gusta a grandes y chicos. Escuché su disco hace unos meses atrás y a decir verdad se me olvidó 5 minutos después, tal vez escuchándolos en vivo mi percepción acerca de ellos se elevaría un poco. Y se elevó, un poco. Nada especial.

Lograron mantener a gran parte del público frente al escenario en vez de frente a la barra, incluso, entre canción y canción se escuchaban gritos del tipo: “great!” o “come back soon!”. Decente abreboca para la cucharada lisérgica-musical que nos iba a dar Tame Impala.

Llamarle neo-psicodelia a lo que tocan estos aussies es predisponer a quienes no los han escuchado –y a quienes les tienen alergia a la inevitable categorización de géneros musicales-. Generalmente se asocia la psicodelia musical con aburrimiento si no hay ingredientes adicionales para complementar la experiencia. Pero dejando los lugares comunes de lado y dándole un merecido crédito a estos niñatos, hay que decir que su música es toda una neo-psicodelia… à la Tame Impala; un sonido compacto que sin embargo dibuja paisajes amplios, una música para prestarle atención hasta que termines olvidando que le estabas prestando atención porque te abstrajiste demasiado.

Tame Impala at The Fillmore. April 18th. 2011. Photos by A Bear Knows Photos

Así fue el concierto; una experiencia de alto nivel cubierta por un aura totalmente trippy. Su disco entero tocado a la perfección con un poco más de intensidad y paredes de sonido que nos mantenían en una especie de trance colectivo mientras distribuíamos nuestras miradas entre los integrates del grupo haciendo lo suyo y las visuales sincronizadas con los sonidos que le daban un plus sensorial al show. Un par de temas nuevos mantuvieron el mood de ingravidez intacto y con ganas de escuchar más. De hecho, luego de la última canción la temperatura de nuestras manos subió a niveles alarmantes sólo para terminar de aceptar que finalmente no habría encore. Algo extraño tomando en cuenta que el encore es religiosamente esperado por público y grupo, aunque esta vez se nota que los que no quisieron seguir fueron los encargados del lugar, quienes mientras recogían los instrumentos y equipos nos hacían señas -al público- diciendo que en efecto no habría más Tame Impala. Queríamos más, hubiésemos podido estar escuchándolos por el resto de la madrugada.

Un concierto de antología que demuestra que dentro del hype hay mucha música rescatable que pasará la prueba del tiempo. Imposible de olvidar.

2011-06-13T02:08:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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THE FIERY FURNACES

en Café du Nord

18 de mayo

Si el lugar se llama Café du Nord uno espera que sea pequeño... digo, por la palabra Café. Y lo es, no demasiado, pero su capacidad no debe ser más de 200 y la tarima es lo suficientemente pequeña como para que una banda de cuatro personas vea su libertad de movimiento totalmente comprometida. Pero eso no importa, porque "la banda" de esa noche fue sólo de dos. Dos hermanos. The Fiery Furnaces.

¿Ah?

El tamaño del lugar fue la única predicción que acerté para este concierto, el resto fue un cambio de señas que no estoy seguro si me desorientó solo a mi o también a otros en el público. Lo primero que me confundió fue que frente a la tarima colocaron 6 filas de sillas en las que unas 60 personas esperaban sentadas el comienzo del dúo. "Yo he venido antes para acá y todo el público estaba de pie" decía otro que también parecía confundido.

The Fiery Furnaces at Café Du Nord. May 18th. 2011. Photo by The Bay Bridged

Digerida la sorpresa incial, me dispuse a tomar asiento en 6ta. -y última- fila. Detrás de mí, fueron llegando poco a poco otras 60 personas más que verían el concierto de pie. Listo para aceptar el hecho de que no habían brincos ni bailes posibles por las improvisadas sillas, esperaba entretenerme sentado con ruiditos, sonidos raros y demás triquiñuelas weirdo-musicales como a las que los hermanos en cuestión, los Friedberger, nos tienen acostumbrados en sus discos.

The Fiery Furnaces Naked

Público expectante, con las miradas dirigidas a la tarima minutos antes del show. No sé cuántos más se hacían la misma pregunta que yo: ¿dónde estarán los instrumentos, los sintetizadores, las guitarras, los laptops?. Un piano y un par de micrófonos era todo lo que ocupaba la tarima.

Llegaron los hermanos. Matthew sentado en el piano, Eleanor cantando de pie. No recuerdo si la primera canción fue Evergreen o Single Again -¿o fue I'm in No Mood?-, lo que recuerdo fue que en ese momento terminé de entender que este no se trataba sólo de un toque -super- unplugged, sino que además las canciones estaban alteradas de tal modo que se trataban de versiones distintas a las originales. Reseteando mis expectativas decidí aceptar el panorama: no bailes, no brincos, no ruiditos y melodías distintas. Lo que no significa que el factor diversión haya sido sacrificado, más bien fue transformado a un mood distinto al que esperaba.

El ambiente era totalmente cercano, ambos músicos despojados de todo gimmick sonoro o producción escénica, haciendo chistes acerca del piano usado por Matthew; "Peter Gabriel y Elton John usaron este piano antes" decía mientras lo hacía sonar a modo de prueba. Entre canción y canción habían pausas, como si dudaran acerca de cuál tocar a continuación; "¿La están pasando bien?¿En serio?" preguntaba nerviosa Eleanor. En otro momento, mientras tocaban Smelling Cigarrettes, Matthew se equivocó en un nota y Eleanor lo mandó a parar; "Espera, espera, ¿qué hiciste ahí?" preguntó la cantante mientras intentaba no reírse, "dejame empezar esa parte otra vez" respondió el hermano antes de retomar la canción desde el punto interrumpido.

The Fiery Furnaces at Café Du Nord. May 18th. 2011. Photo by The Bay Bridged

En otro momento, Eleanor, que no parecía estar segura de que la gente se estuviese divirtiendo, decidió "romper el hielo" con un chiste de esos que dan más gracia cuando se escuchan que cuando se leen. Igualmente aquí va la transcripción:

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Un tipo entra a una biblioteca y le pregunta al bibliotecario:

- i i ¿ ¿ TIENEN FISH & CHIPS ? ? ! !

- Disculpe señor... esto es una biblioteca.

-iOh! disculpe... ¿tienen fish & chips?

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Carcajadas totalmente justificadas. Era como si The Fiery Furnaces nos hubiesen invitado al Café personalmente, más íntimo imposible. En otro momento de la noche, luego de dudar acerca de qué canción cantar, nos preguntó: "ehmmm no sé... ¿quieren que toquemos un cover o algo?" a lo que varios entre el público sugirieron canciones de The Police -¿?-, Bob Marley -¿?- y otras que no conocía. El cover elegido; una de las canciones que no conocía.

El encore no puede faltar, una vez que terminaron su set y se despidieron, los aplausos los hicieron volver a salir, otra canción y ahora si, "Thank you, good bye". Matthew tenía un iPod encima del piano, la gente seguía aplaudiendo mientras el buscaba una canción, "El show se terminó, lo que estoy es buscando una canción para dejárselas sonando aquí".

Una vez terminado el show el próximo paso requerido era dirigirme a la mesa de merchandising cerca de la salida y ver qué discos o franelas del grupo podía comprar. El encargado de atender al público era Matthew:

Roberto: ¿Cuánto por las franelas?

Matthew: $15

R: Dame ésta

M: Aquí tienes. Gracias

R: Interesante el show, fue como The Fiery Furnaces... naked.

M: Wow iExacto! ¿de dónde eres?

R: De Venezuela

M: iAh! iEl país de la música!

R: ¿Qué? (no estuve seguro de entender "El país de la música", primera vez que escucho eso acerca de Venezuela)

M: iEl país de la música!

R: Ehmmm... sssi. Y de las novelas

M: Jajajaja también. iGracias por venir hoy!

Apretón de manos y listo para cerrar el que definitivamente fue el más inesperado de la serie de conciertos que he podido ver en SF. Una especie de improvisación en confianza, una noche de música en un estado crudo y despojado. The Fiery Furnaces Naked.

2011-06-10T00:25:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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CSS

Con HOT TUB y PRINCETON
en Mezzanine
15 de abril

Yendo a Mezzanine para ver a CSS vimos que esa misma noche tocaba Scissor Sisters en The Warfield -que está en una calle paralela- y no lo sabíamos hasta ver la marquesina. Mentalizándonos con la excusa de "apoyar el arte suramericano", seguimos felices a Mezzanine sin mayor arrepentimiento.

Más que un lugar para conciertos del tipo auditorio, Mezzanine es un local nocturno promedio con una tarima no tan grande. Así que los toques acá son un poco más "íntimos" y los artistas están más cerca del público, aunque la capacidad sea relativamente alta; 1000 personas.

Tiene un 2do. piso diagonal a la tarima -a su lado derecho- desde donde los que nos quedamos pegados a la baranda marcando territorio pudimos disfrutar de una buena visual, aunque no tan cercana como las primeras 5 ó 6 filas de la "arena", por ejemplo.

Los teloneros

Primero se montó un grupo llamado Princeton -tocan un indie pop suavezón-. En vivo no despertaban mayor interés por parte de la mayoría del público -incluyéndome-. Aunque cuando los busqué por youtube unos días después no me parecieron malos. Pero para esa noche no estuvieron a tono con el mood fiestero de la gente. Kinda boring.

Del aburrimiento pasamos a la atorrancia luego de 15 minutos de intermedio y música de relleno por parte de un tal DJ Omar. El segundo "grupo"; Hot Tub, tres "raperas" que gritaban letras ininteligibles mientras se esforzaban demasiado por ser shocking -logrando ser sólo annoying-. Aunque un par de djs trataban de darle una medio coherencia al desastre de esas 3 voces desentonando a la vez, era una misión perdida. Fuck! ¿Cómo estará eso en The Warfield?

Hasta que al fin

Cada vez estábamos mas impacientes por ver a CSS -ya entenderás que no precisamente por fanatismo-. Finalmente se montaron, era hora de justificar los $24 ó $26 -no recuerdo-. Ahora si llegaba algo de diversión, aunque con un sonido bastante mejorable; en la primera canción la voz casi no se escuchaba por las saturación de los instrumentos. Ya para el segundo tema comenzaba a mejorar la cosa, justo a tiempo para escuchar Music Is My Hot Hot Sex. Entre las canciones de Donkey -el 2do. disco- resaltó Reggae All Night, uno de los puntos altos de la noche, con las garôtas del grupo eufóricas y contagiando la energía que hacia falta desde un par de horas antes.

El mood de est@s brasiler@s en vivo es bastante más rockero que en sus discos, lo que no significa que bailar quede en 2do. plano. Alala, Let's Make Love and Listen To Death From Above y Alcohol también estuvieron a la altura de cualquier expectativa positiva y contoneante.

A la salida estaba disponible la revista Vice del mes de abril. Conseguirla es netamente una cuestión de suerte porque es dolorosamente cool, demasiado cotizada y demasiado difícil de localizar. Al lado de las Vice, el volante de The Go! Team para unas semanas después. El show de CSS y los hallazgos impresos hicieron que valieran los $24 ó $26 -sigo sin recordar-. Después de todo no estuvo tan mal haberse perdido a Scissor Sisters.

2011-05-31T18:17:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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WIRE

Con LUMERIANS

En Slim's

17 de abril

En San Francisco hay 2 meses de lluvia, generalmente son febrero y marzo. Por suerte estoy acá desde abril. A pesar del cielo azul que casi siempre cubre la ciudad fuera de esos dos meses, el frío es prácticamente constante. Pero aquella noche llovía y por supuesto, hacía frío, así que los señores de Wire -que son de Londres- seguro se sentían en casa y eso iba a ser bueno para el show. Esa era una de mis excusas más débiles para convencer a Alejandro y Cotty de que fuesen a verlos también, aunque no tuviesen idea de quiénes eran esos Señores -en sus quintas décadas cada uno de los 3-. No se arrepintieron de ir.

Slim’s es un local sencillo, sin mayor impacto visual y con capacidad para unas 500 personas. Es además un lugar netamente rockero, pero no del tipo destructivo impertinente sino del tipo civilizado-vinimos-a-ver-el-grupo-que-nos-gusta. Tal vez antes era más frenético, pero el cartel que está al lado de la tarima es claro: “No moshpit, no crowd surfing, no stage diving OR YOU WILL BE REMOVED”. De todos modos la mayoría del público esa noche tenía la edad suficiente como para que sus cuerpos les dificultara movimientos de ese tipo.

Al llegar sonaba Love + Rockets, seguidos por Joy Division y por ahí iban sonando canciones acordes con lo que venía. La mayoría del público combinaba canas con chaquetas de cuero; pura veteranía rockera. Civismo total y el público expectante cuando el volumen de la música bajó para recibir al primer acto: Lumerians. "We are Lumerians and we are from... here" soltaba uno de sus vocalistas.

Nunca los había escuchado y me alegra haberlo hecho, son ese tipo de grupos que te dejan con dudas acerca de su categorización, ¿post-punk? ¿psicodelia? ¿psicodelia-post-punk? por ahí va la cosa; órganos vintage y una descarga medio punk de vez en cuando -al menos en vivo-. Todo esto cubierto por un aura hipnóticamente oscura, con gran énfasis en la percusión, tanto del baterista como el encargado de reventarse las palmas de las manos con unas congas que le daban un toque tribal a esas canciones. Guitarras y voces cambiantes. Luego los googleé para conocerlos un poco mejor y me di cuenta que tienen todo un concepto visual: usan máscaras blancas inexpresivas, batolas de monjes y demás artilugios que le dan identidad a su gimmick. Pero esa noche estaban vestidos de “civiles”. En fin, más que dignos para abrirles a los señores de Wire, más que dignos para querer buscar sus 2 discos, el 2do., recién salido.

Y finalmente a lo que vinimos, Colin Newman (guitarras / voz), Graham Lewis (bajo / voz), Robert Grey (batería) y un veinteañero que podría tratarse del hijo de alguno de los 3 anteriores (guitarra), aparecieron en la tarima de poco más de un metro de altura, perfecta para complementar los 2 metros que nos separaban de ella.

Empezando con la velocidad y energía industrial de Comet, canción del disco Send (2003), la próxima hora y media prometía... y cumplió. Obviamente el disco más presente en este repertorio iba a ser su más reciente entrega: Red Barked Tree -del que balbuceé algunas palabras por allá en enero- , lo cual es perfecto, porque además de estar recién cocinado, es tremendo disco. Las canciones elegidas para esa noche: Please Take, Smash, Clay, Bad Worn Thing, Moreover, Red Barked Tree y Adapt. Momentos para bailar con la new wavish Advantage in Height, momentos para descargar sin ningún tipo de reparos -pero teniendo cuidado con la gente alrededor, eso si- con Two People in a Room del megaclásico disco 154, igual que 106 Beats That y Pink Flag, de su otro megaclasico disco Pink Flag, que por cierto fue la canción con la que cerraron la noche, no sin antes regalarnos unos minutos de áspero y violento feedback con el que nos dábamos cuenta que no iban a volver a salir al escenario, no esa noche -lo hicieron 2 veces respondiendo a nuestros incesantes aplausos-. "Estos viejos se dan duro ¿no?" me decía Alejandro. Si, se dan durísimo.

2011-05-17T00:18:00.000-07:00

SAN FRANCISCO GIG REPORT

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La idea inicial era escribir los “reportes” de estos conciertos por mes, es decir, reunir todos los de abril y tener SFGR Abril y así sucesivamente durante los próximos meses. Pero como la cosa va rápido, el tiempo está corto y los reportes quedan largos, es más cómodo lanzarlos sin ton ni son, mientras se van escribiendo se van publicando por separado. De hecho, ya hay un par de ellos escritos -además de éste- esperando aprobación en diversos departamentos y siendo sujetos a estrictos controles editoriales que avalen los más avanzados estándares de calidad requeridos para su aprobación y publicación. Gracias.

Aquí va uno que se escapó del control.

MAN MAN

Con SHILPA RAY AND HER HAPPY HOOKERS

En Bimbo's 365

15 de mayo

Bimbo’s 365 es uno de esos lugares perfectos para conciertos; grande -para los estándares de artistas independientes, claro está-, casi del tamaño de una cuadra. Con 3 ambientes: Restaurant , barra y salón principal, en el que caben unas 800 personas que pueden distribuirse tanto en el dancefloor como en el segundo piso de balcones que están justo sobre la zona de mesas que antecede la “arena” frente a la tarima: que es lo suficientemente grande como para albergar a un bandón y dejarles espacio para saltar o caminar.

Los teloneros eran una incógnita para mi. Shilpa Ray and Her Happy Hookers; un grupo que comanda... sí, Shilpa, la encargada de cantar y tocar el Armonio. Por cierto, el resto del grupo no son hookers, sino 3 tipos que le dan duro a la guitarra, bajo y batería. Con un aura de cabaret y crudeza vocal que podrían ser entonadas por una prima punk de La Lupe. Si alguien tiene el trabajo de darle un nombre a la música de este cuarteto, sería cabaret-punk. Canciones que empezaban con una violencia rockera y luego se transformaban en música de antaño, de disco de 45RPM. O canciones que prometían melancolía y despecho al empezar y terminaban con encabronamiento hardcorero. En una entrevista a Nick Cave, el australiano dijo que su grupo del momento era el de Shilpa Ray. Y no es que yo sea fan de Cave, pero sus recomendaciones musicales deben ser, cuando menos, interesantes. Excelente comienzo.

Pero quienes estábamos esa noche ahí, estábamos por Man Man, esos, los mismos que tienen una maestría creativa y explosión musical comparable al calibre de renegados ya consagrados como TV On The Radio –para dejar la cosa dentro de la alternativa contemporánea más caliente-, pero con un approach caricaturesco y decididamente más freak, mucho más acabatrapos que los de Brooklyn –estos últimos con 2 conciertos la semana pasada en The Independent que van a significar tremendo bache acá; sold out al momento de intentar comprar entradas, FUCK!-

Volviendo a MM, nadie está seguro si estos tipos hacen rock experimental, electro-valcanic-indie, psycho-vaudeville o lo que sea que puedan hacer con pianos, teclados, sintetizadores, xilófonos, trompetas, clarinetes, saxofones, flautas, batería y percusión –para no seguir la lista-. Viéndolos en vivo tampoco tienes chance para razonar su música, pero el ambiente de freak festival que se mandan estos cinco es totalmente explosivo. Si no te diviertes es porque no estás.

Esta vez reuní 4 personas para que fueran conmigo “a un concierto donde seguro se van a divertir”, les dije sin tener idea de sus preferencias musicales.

La fiesta arrancó de manera polite con Feathers y un Honus Honus –aka del frontman, voz y pianos-, sentado frente a su piano cantando con su particular tono ronco-tabernesco una melodía nostálgica, para luego continuar con Hurly Burly y encender el carrousel bizarro en el que cada integrante iría cambiando instrumentos para poder darle uso a todo el arsenal donde se encontraba toda clase de juguete musical, fuera de cuerdas, electrónico, de viento, percusión, con teclas, etc, incluyendo una parte delantera de bicicleta colocada al revés sobre una base –con rueda en movimiento- que hacía sonar unas pequeñas campanas. Unas canciones después Honus Honus se iba a vestir de mujer para seguir el concierto así. Hay que tener en cuenta que es un tipo de bigotes tipo 70’s pornstar con apariencia quizás mexicana, un choque de estilos que puede explicar muy bien de qué va Man Man, de qué va el SHOW; stop making sense.

Con un repertorio que recorrió al menos la mitad de Rabbit Habbits -2008- y Six Demon Bag -2006- con algo de The Man in a Blue… -2004- y casi todo Life Fantastic, su recién salido 4to. Disco; con Piranhas Club, Dark Arts, Haute Tropique, Bangkok Necktie, Life Fantastic, Steak Knives, Spooky Jookie. Siempre con un performance disparatado y esquizoide; cada quien en un trance de hiperactividad con el instrumento de turno, igual que el público.

Con un encore de 4 canciones “adicionales” –todos sabemos que las iban a tocar pero había que aplaudir para que salieran al escenario otra vez- el SHOW duró casi dos horas. Todos cansados, Todos satisfechos.

Aunque la música de Man Man sea desquiciada, divierte a públicos que van más allá de sus seguidores. Por eso luego del SHOW, las 4 personas que me acompañaron quedaron en una especie de shock-por-diversión tal, que no paraban de agradecer la invitación y pedir información sobre los siguientes conciertos. The Fiery Furnaces este miércoles 17, vénganse pues.

2011-03-14T23:00:00.000-07:00

HEART2JAPAN

Mondo Nihon

2011-03-14T22:52:00.000-07:00

JAPONESES TWITTEAN

SU EXPERIENCIA ACTUAL

Ya hemos escuchado en las noticias los comentarios de las agencias internacionales que han quedado deslumbradas por la disciplina, orden y sobre todo la genuina preocupacíón y respeto que cada integrante de la sociedad nipona siente hacia aquellos que lo rodean en estos momentos de tragedia y crisis. Un ejemplo que TODOS los integrantes del planeta deberían seguir -¡qué iluso!-

Maiko Ogura y su esposo, JM Cañizares, recopilaron y tradujeron varios tweets de japoneses que dan testimonio de cómo han estado actuando los nipones en momentos donde, en cualquier otro país, seguramente se habría sumado el caos social -en algunos más que en otros-.

"En el Disney Land, le regalaron snacks y dulces a los visitantes. He visto que las adolescentes cogieron muchas bolsas, y pensé “¿qué están haciendo ellas?”. Resulta que esas adolescentes repartían esas bolsas para los niños que están evacuados. Me ha conmovido su gesto. Los que tenemos niños, no podemos movernos, era una gran ayuda."

"Hubo muchísimo atasco y casi pasaba 1 coche por cada semáforo verde. Pero me he emocionado por ver que la gente está dejando pasar a otros. En los cruces hubo momentos en los que durante casi 5 minutos ningún coche se movía, debido al atasco. Durante mi conducción de 10 horas, nunca escuché ningún klaxon nada más que para dar las gracias. Pasé mucho miedo, pero por esa experiencia, adoro más a mi país: Japón."

"He estado en el anden con mucho cansancio. De repente, unos mendigos se acercaron y nos regalaron sus cartones para que no pasásemos más frío. Nosotros no le hacemos mucho caso normalmente. Son muy amables."

"Hay muchos dibujantes que están dibujando preciosas obras de arte para animar a la gente. Todo el mundo quiere ayudar con lo que pueda."

"Ayer por la noche, estaba volviendo de la universidad a casa andando. La panadería, que normalmente está cerrada a esa hora, estaba abierta y regalando pan a la gente. En esta circunstancia, la gente encuentra cosas que puede hacer y las realiza. Es emocionante. No está nada mal Tokio."

"He podido comprar en un supermercado. Me emocionó porque la mayoría de los clientes pensaron en los demás y compraron lo mínimo necesario."

"Hablé con un taxista, un trabajador de la estación y una mujer desconocida. Todos estábamos cansados sin poder volver a casa, pero nadie se puso agresivo, usaban palabras amables, y pensaban en los demás. “Todos estamos en el mismo barco”. He pensado en la palabra “todos”. Es una cultura que quiero cuidar y heredar."

2011-03-13T12:39:00.000-07:00

HEART2JAPAN

2011-02-18T20:05:00.000-08:00

y ahora smashingpumpkea con su bajo

...según Billy Corgan.

Él mismo lo publicó hoy y dijo que ella se lo tenía escondido porque pensaba que si se enteraba no la dejaba entrar en el grupo. Se llama Nicole Fiorentino, se unió a los Pumpkins el año pasado y ha sido bajista de, entre otros grupos, Veruca Salt en 2006.

Pero el frontman no dijo cuál de las dos es, así que busqué un par de fotos actuales en google, las comparé con la portada -como hicieron miles de personas hoy seguramente- y creo que no me equivoco cuando digo que es -o se parece a- la de la derecha. ¿O será que Corgan al ver el parecido de la niña de la portada de Siamese Dream -1993- con Fiorentino decidió que era su turno de hacer un chiste por twitter?

2011-01-14T23:55:00.000-08:00

Los 10 nombres a continuación pueden ser involuntariamente cómicos, insultantemente poco creativos o genéricamente mediocres. Y como no es casualidad que de esos 10 grupos no me disgusten tanto si acaso 1 ó 2, aprovecho para quejarme musicalmente de los otros 8 ó 9.

FAVOR NO TIRAR PAPEL EN EL SUELO Y BAJAR LA LLAVE AL TERMINAR.

GRACIAS.

Does It Offend You, Yeah?

La música que hacen no está tan mal -que tampoco significa que sea especialmente buena-, lo que en realidad ofende es un nombre tan adolescentemente "provocador", seguro que los integrantes pensaron que esas palabras iban a ser una manera "altanera" de decirle al mundo lo "políticamente incorrectos" y "frontales" que son. Leí en wikipedia una cita de uno de sus integrantes aclarando que la procedencia del nombre estaba en una frase dicha en uno de los capítulos de The Office -versión inglesa- y que no se trataba de "una declaración". Pero igual sigue ganándose un lugar entre los shitty bands' names, esa frase pueden decirla al menos unas 15 veces al día en cualquier serie, película, comiquita, etc, no me vengan con esa excusa para decir que les gusta The Office versión inglesa... ay si!

She Wants Revenge

Con otra imagen y otro sonido tal vez el nombre de este dúo no estaría tan mal, TAL VEZ. Pero sus ínfulas modernecas hacen que She Wants Revenge -nombre y grupo- reflejen un intento forzado por sonar "sexy" y "peligroso" a la vez. Las literales portadas de sus discos -2 discos, 2 portadas prácticamente iguales- tampoco ayudan mucho; una foto frontal en plano americano de una modelo cuya cara queda parcialmente fuera de cuadro y esconde su mano derecha detrás de su espalda, como ocultando algún tipo de arma... ¡wow! de verdad que ella quiere venganza, ¡qué sexy y peligroso es el concepto de este grupo! Además, su música es un fusil de Interpol -o como les llamaron en alguna página por ahí: "those suit-wearing hipsters"-, lo cual es algo parecido a hacer un remake de un remake, a hacer un cover de un cover y así sucesivamente...

I Love You But I've Chosen Darkness

Si este nombre no me diera pena ajena también debería elegir la oscuridad... y quedarme ahí. Aunque el productor de esta gente es alguien a quien realmente admiro -Britt Daniel, pieza clave de los destacados Spoon- su sonido no se me hace muy convincente; demasiado afán por revivir -de manera calcada- lo más denso del sonido post-punk y goth rock de los 80's. Y no está mal que sean fans de esos géneros, al contrario, demuestran buen gusto, lo malo es que en vez de tomar las influencias de los pioneros para aplicarlas a un sonido propio, quieran sonar exactamente igual y terminen perdiéndose en el montón del revival ochentero oscuro... con un nombre tan insufriblemente bobo e involuntariamente cómico.

Cansei De Ser Sexy

Aunque el nombre de estos brasileros hace juego con la actitud del electropop más orgullosamente superficial que tantos seguidores ha tenido entre los cazadores del hype, luego decidieron sintetizarlo en CSS, como queriendo desligarse de un público que luego iría abandonándolos al pasar la novedad; su debut estuvo divertido, pero no lograron seguir divirtiendo en su siguiente disco; aburridón, predecible y olvidable. Cansei De Ser Modernos tal vez.

Caramelos de Cianuro

Para que no digan que no tomo en cuenta el talento nacional. De los grupos venezolanos, este porta con orgullo uno de los nombres más ridículos que hay. Es como el nombre de un grupo rockero ficticio de novela juvenil mexicana. Desde siempre me pareció una total ñoña, aun en los tempranos 90's cuando me gustaba su música -un rock más genuino y agresivamente pueril de letras hormonales, ideal para los mocosos "alternativos" de la época como yo- ¿Y a quién no le parecería una ñoña? tal vez a sus seguidores actuales; aquellos teenagers de dudosos gustos musicales. Pero todo es tan subjetivo; lo que a unos les parece una mierda a otros les puede encantar ¿quién decide si un gusto musical es dudoso o no por ejemplo? con tantos criterios distintos que existen en el mundo y tantos elementos condicionantes que varían de sociedad en sociedad, de persona en persona, de época en época ¿quién tiene la razón absoluta para hacer una sentencia tan excluyente y limitada como esa? en este caso, yo.

The Ting Tings

A ver, cuando eliges una onomatopeya para nombrar tu grupo puedes haber dado con una manera original, simpática y despreocupada de diferenciarte del resto o puedes estar caminando sobre la cuerda floja que te haga caer a un vacío de credibilidad. El mismo vacío donde aparentemente cayó este dúo de música entretenida si, pero totalmente desechable por las modas del momento. Más nada que agregar.

VHS Or Beta

Si, si, ya sabemos que a los de este grupo les gustan los 80's, pero pudieron pensarse un poquito más el nombre ¿no? Seguro que si se formaran en el 2017 quisieran sonar como a los 00's y se llamarían Blu-ray Or DVD -lo sé, me quedó algo rebuscado ese ejemplo- Y aunque se montaron en el tren del revival ochentero cuando éste todavía tenía varios asientos libres -en 1997-, su sonido actualmente se confunde con el de grupitos como The Killers -ya sé que los Killers vinieron después pero ¿qué importa?- . Y no es que sean muy malos, pero tampoco son muy buenos... y mira que sonar como The Killers...!

Kevin Shields

Cuando me enteré vía internet hace un par de años que el cerebro de My Bloody Valentine había sacado un disco en 2007, hubo emoción y curiosidad por escuchar con qué venía el Shields luego de casi 2 décadas sin sacar discos, "superó su miedo a sacar un disco post-Loveless" pensamos muchos. Pero resultó que ese Kevin Shields no era Kevin Shields sino el "nombre artístico" de Eva Aguila, una experimentalista del noise que decidió robarle el nombre al respetado guitarrista, no sé si a manera de tributo, de chiste o simplemente para aprovecharse de un nombre con seguidores. Aunque su música -la de Eva- es interesantemente desafiante, el nombre que eligió para darla a conocer es una especie de plagio hacia el verdadero Kevin Shields, por eso su A.K.A. merece la etiqueta de shitty. Sin embargo el disquito de ella que terminé guardando está bueno para quienes siguen el noise, se llama The Death of Patience.

"Handsome Dick" Manitoba

Aquí lo realmente SHITTY no es tanto el nombre, es el personaje. Un tipo que con su afán de lucro amenazó al músico canadiense Dan Snaith -antes llamado Manitoba, actualmente Caribou- con demandarlo si no cambiaba su nombre artístico, que además es el nombre de una región de Canadá; "Es como si The Smiths hubiesen querido demandar a algún John Smith" dice Snaith, alguien con mucho más talento que el wannabe demandante. ¡Así que ningún otro artista quiera llamarse Dick! the real DICK here is Handsome Manitoba.

Clap Your Hands Say Yeah

La primera vez que escuché hablar de ellos fue, como la gran mayoría de la gente, en 2005. Pensé que se trataría de uno de esos grupos bailables-cool-modernos-intensos-wannabe de la época, pero ¡qué equivocado estaba! en realidad se trataba de un grupo de indie rock totalmente genérico, sin trascendencia más allá del fervor de los esnobistas del momento que se empeñaban en colocarlos como el nuevo gran descubrimiento de la web -Pitchfork incluído-. Generalmente los grupos que toman como nombre una oración corren el riesgo de que la gente los abrevie o le corte palabras para no tener que dedicar tantos valiosos segundos en nombrarlos o escribirlos, así que a estos los abrevian CYHSY, pero por lo vergonzoso de su nombre yo prefiero abreviarlos WTF.

Oh! You Pretty Sounds THE GO! TEAM

2011-01-04T20:39:00.000-08:00

The Go! Team Rolling Blackouts (Enero 2011)

Pregunta larga: ¿Qué tienen en común los girls groups de los 60’s, los créditos iniciales de una serie policíaca de los 70’s, el flow del rap en los 80’s, unas cheerleaders eufóricas en el entretiempo de un partido y el sonido que un bar cualquiera le ofrece al grupo que va a tocar esa noche? Respuesta corta y obvia: la música de The Go! Team –con el signo de exclamación bien llevado-. Así ha sido desde Thunder, Lightning, Strike, su debut en 2004 y así queremos que siga siendo. Ellos lo saben, por eso nos complacen con este nuevo disco, que desde su arranque, con T.O.R.N.A.D.O. -mira el video acá abajo-, nos da la cafeína característica que trae este sexteto inglés, permitiéndonos descansar sólo en 2 ocasiones estratégicamente distribuidas; Super Triangle y Lazy Poltergeist. Rolling Blackouts, una nueva energy drink envasada en Brighton.

Oh! You Pretty Sounds WIRE

2011-01-02T18:51:00.000-08:00

Wire Red Barked Tree (Enero 2011)

En el '77 Londres estaba llena de niños y niñas con imperdibles en las orejas, pelos de punta, ropa rasgada y actitud "vete-a-la-mierda-fuck-you-you-fucking-fuck". The Sex Pistols había ayudado a encender una mecha de disconformidad e ira contenida y bla bla bla, del resto ya se ha escrito demasiado. Pero mientras eso pasaba y la mayoría de los grupos de esa camada se jactaban de hacer música primitiva -a excepción de algunos como The Clash-, habían unos estudiantes de arte que tenían mucho más que ofrecer musicalmente. Así apareció Wire en el mapa, asociados con ese movimiento pero transitándolo por la avenida paralela, viéndolo de lejitos, aunque con la misma juventud y energía.

Los meses siguientes, ese movimiento de niños y niñas con imperdibles en las orejas, pelos de punta, ropa rasgada y actitud "vete-a-la-mierda-fuck-you-you-fucking-fuck", empezó a ser canibalizado por el mainstream -que ellos tanto odiaban-, mercadeándose a través de enormes disqueras multinacionales, tiendas por departamento y la prensa tradicional. El punk era aceptado a nivel comercial como producto de consumo masivo. C'est fini.

Nunca siendo esclavos de la tendencia del momento, sino reinventándose una y otra vez, Wire emergió de esa sacudida de finales de los 70's con 3 discos míticos grabados en menos de 2 años, que los colocaron como uno de los más sagrados grupos predicados por el rock del siglo XX. Salve Pink Flag, Chairs Missing y 154. Amén.

Durante un poco más de la 1era. mitad de los 80's estuvieron inactivos como grupo y cada quien, por su lado, hizo música con proyectos paralelos, volviendo en 1987 al estudio para, hasta 1991, grabar una serie de discos que mostraban a Wire avocados al post-punk de ambientación más electrónica y menos frenética que sus primeros trabajos -aunque igual de aventurera a nivel sonoro-, haciendo otra larga pausa hasta resurgir en 2003 con Send, "el disco industrial" que sacaba lo más áspero de ellos. Luego vino Object 47 -2008- con un sonido más estilizado y totalmente a tono con la época. Y el próximo 11 de enero vienen con su nueva entrega: Red Barked Tree.

En este disco Wire no pretende innovar ni sorprender con propuestas lejanas a su sonido característico, simplemente se dedican a plasmar en varias de sus 11 canciones una actualización de las estructuras que ofrecieron a finales de los 70's en sus 3 primeros discos, contrastadas con matices menos crudos y más pulidos, al estilo de sus trabajos en los 00's. Es por eso que canciones como Please Take, que abre el disco, recuerda a la guitarra que marcaba el alma de su canción Blessed State -del disco 154 de 1979-, mientras en Moreover, los riffs de Colin Newman traen a la memoria un tema como A Question Of Degree -del disco Chairs Missing de 1978- pudiendo, a la vez, sonar como extensiones de su anterior entrega de 2008, Object 47. De igual manera, canciones como Two Minutes pudiesen ser comparadas con el sonido que el grupo desarrolló en Send -2003-, aunque con una carga menos industrial. Y es que Red Barked Tree es como una especie de repaso sonoro que se pasea por parte del recorrido de estos ingleses -sin que esto signifique repetición-, demostrándonos que el tiempo no tiene porqué hacer palidecer una propuesta. Y si bien este no será etiquetado como "el mejor disco de Wire", ciertamente es "otro buen disco de Wire", y eso ya es bastante decir.

pinkflag.com

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