21 DISCOS DE 2010
arbitrariamente comentados
Se cierra 2010. Como cada año, el cierre viene con repaso incluido de 21 discos elegidos de manera turbia por mi criterio -ver los de 2008 y 2009-. Esta vez, 19 de los 21 discos arbitrariamente comentados, son la recopilación de reseñas con las que colaboré para los números editados entre marzo y diciembre de Ladosis; revista musical impresa de edición bimensual -o como la llamo cariñosamente, la Rockdelux veneca-. Una revista que nace como iniciativa de Juan Carlos Ballesta, quien desde hace par de décadas ha estado compartiendo su melomanía a través de la radio, la web y ahora también mediante esta dosis de oxígeno para los medios impresos locales dedicados al entretenimiento, que hasta hace 2 años, no contaban con una publicación decente de este estilo.
Una costa brumosa, de tonos pasteles y oleaje melancólico es lo que ha sido, desde su debut en 2006, el paisaje que vemos desde el balcón de esta casa de playa. Para su 3ra. y nueva entrega, el dúo de la nada playera ciudad de Baltimore abre las ventanas, dejando entrar una brisa más alentadora pero no menos nostálgica que sus dos primeros discos. La resignación ahora cede espacio a la esperanza en las melodías vocales de Victoria Legrand, que se pasean ingrávidas sobre las atmósferas instrumentales creadas por la otra mitad de Beach House; Alex Scally. Cuerdas, órganos, pianos y percusión electrónica -todo vintage-, complementan el ambiente perfecto para sumergirse en las apacibles aguas de su dream pop. Con Teen Dream, Beach House demuestra que dentro de la bruma también hay colores escondidos.
Vampire Weekend Contra
Demostrando ser más que un gimmick complaciente hacia la maquinaria hype, estos neoyorquinos estrenan década con un sucesor que, descubriéndolo poco a poco, resulta más completo que su prometedor debut de 2008. Las texturas electrónicas que han decidido usar para acompañar la pintoresca instrumentación y percusión complementan perfectamente la calidez de cada canción. Al parecer la inspiración rítmica del grupo ha viajado unos cuantos kilómetros desde África hasta el Caribe, con claras referencias que nos llevan a escuchar contratiempos propios del ska -Holiday, Cousins-, reggae -Diplomat’s Song- y dancehall -Run-, novedades ideales para compartir espacio con las demás canciones que terminan de darle a Contra, la buena onda que caracteriza a Vampire Weekend; una promesa ya cumplida.
Dum Dum Girls I Will Be
Grupos como Beat Happening o Guided By Voices –a finales de los 80’s y principios de los 90’s- no imaginaban que su sonido, intencionalmente de baja calidad, grabado en 4 ú 8 canales, sería referencia caliente para jóvenes músicos dos décadas después. Dum Dum Girls pertenece a esa nueva generación fascinada con el Lo-Fi, que al igual que decenas de nuevos grupos y artistas, ha cambiado la sofisticación de un estudio de grabación por la comodidad de sus hogares. DDG comenzó como una girl, actualmente son un grupo liderado por esa girl; Kristin Gundred, quien desde su casa dio forma a su debut, I Will Be, con ayuda de algunos invitados. 11 temas que corren en menos de 30 minutos y ofrecen un divertido pop ruidoso austeramente ejecutado y highlights como Oh Mein Me, Jail La La o Bhang Bhang I’m A Burnout.
Para su 2do. disco el cuarteto de veinteañeros londinenes reemplaza las guitarras de su debut; Beat Pyramid -2007-, por sintetizadores que por suerte saben cómo usar mientras los fusionan con varios elementos; taiko –tambor japonés-, corno francés y demás instrumentación con matices barrocos –provistos por una orquesta de vientos con 13 músicos-, que complementan la percusión altanera e infecciosa, por momentos cercana al dancehall, sobre la que también se escuchan coros infantiles alternándose con sonidos de cuchillos afilándose, celestiales cantos femeninos y la voz casi cantada/casi hablada del cerebro de These New Puritans, Jack Barnett. Retrospecciones e innovaciones por igual, un encuentro pretencioso –pero excelentemente logrado- entre el academicismo, la vanguardia y el pop.
La revisión R&B contemporánea ha añadido nuevas palabras al vocabulario popular; Amy Winehouse y Duffy, por ejemplo, ayudadas por equipos de producción que parecen haber realizado una serie de focus groups para dar con la fórmula musical más complaciente hacia públicos masivos. Quadron, dúo R&B danés que recién debuta, pero cuyos miembros –el ejecutor musical Robin y la vocalista Coco- ya estaban activos desde antes en proyectos similares, muestra con su sonido y actitud, más inspiración que intención de reproducir un estilo ajeno. Su delicado despliegue instrumental e íntimamente orquestal se funde con las estilizadas referencias vocales negras –Lauryn Hill, Erykah Badu- para dar como resultado un muy agradable downbeat que bien podría estar listo para algo más grande a nivel comercial.
El 7mo. disco de estos tejanos continúa trazando de manera impecable el “suavizamiento” sofisticado que comenzaron a imprimirle a su indie rock en A Series of Snakes -1998-, su 2do. disco. Durante estas nuevas 14 canciones la austeridad de su sonido sigue siendo perfectamente complementada por el buen gusto en sus detalles de producción, en esta oportunidad dirigida por los miembros fundadores del grupo; Britt Daniel –guitarra, voz- y Jim Eno –batería-, dándonos, como siempre, mucho más de lo que podemos degustar en la primera cucharada. Y es que una de las principales virtudes que continúa estando presente en Transference, es la capacidad de ir develando con cada escuchada, detalles, sonidos y demás arreglos que se esconden bajo la esencia despojada de su música.
Cuando el grupo de post-hardcore The Blood Brothers colapsa en el 2007, uno de sus 2 vocalistas, Johnny Whitney –también piano y laptop- recluta a su compañero de armas Cody Votolato –guitarra- para emprender una nueva ruta musical. Incluyen en sus filas al ex-Pretty Girls Make Graves, Jay Clark –teclados, bajo, batería- y sacan un disco, Take Me To The Sea -2008-, que no los satisface tanto. El que paga los platos rotos es Clark y el trío se convierte en un dúo que toma direcciones mucho más enfocadas a un electro-pop eufórico. Los agudos gritos de Whitney siguen desesperando a los irritables -de una manera menos hardcore que antes, claro está-, las guitarras electrónicamente manipuladas se unen a bases rítmicas, todas programadas, que son mucho más bailables, creando un ambiente fiestero apto sólo para quienes aprecian la tensión sonora.
Quien se deje llevar por los sonidos dream pop con ingrávida voz femenina y escuche por primera vez a jj con n° 3, puede pasar por 3 etapas: 1.- Al sonar My Life, la primera canción, sabrá que el resto del disco le dará la sublimidad musical que necesite para momentos que lo ameriten. 2.- No imaginará que en las canciones siguientes aparecerá la delicada interpretación que este dúo sueco hace de sonidos y percusiones asociadas al Caribe. Y 3.- Buscará los discos n° 1 -mini álbum de 2 canciones- y n° 2, para luego darse cuenta que no importaba por cuál empezar. Y es que el factor sorpresa que han ofrecido Elin Kastlander y Joakim Benon con sus lanzamientos es tan etéreo como su música, pero ¿quién necesita sorpresas cuando está inmerso apaciblemente en un cielo naranja tropical?
Buffalo Daughter The Weapons Of Math Destruction
6to. disco del trío tokiota que desarrolla más su sonido con cada lanzamiento, manteniendo intacta su particular marca; turntables, sets de sintetizadores análogos, guitarras psych-funk, batería y ritmos con repetición insistente, junto a la voz a veces semi-hablada, a veces magistralmente melodiosa y a veces rapeada de SuGar Yoshinaga –quien tiene pendiente el 3er. disco de su otro grupo, el dúo de techno-rock que tiene junto a la ex OOIOO Yuka Yoshimura: Metalchicks-. Los ritmos electro de corazón pulsante con los que abren el disco, en la canción Gravity, nos pueden hacer creer que el resto de los tracks serán así, pero luego van apareciendo diferentes matices; hipnóticos, rockeros, inclasificables, como nos tienen acostumbrados los Buffalo Daughter, entre el experimental y el pop.
Lo curioso de este cuarteto sueco -además de las máscaras de oso de peluche agresivo que usan- es que comenzaron a principios en los 90’s como un grupo de grindcore y a principios de los 00’s prueban la batería electrónica y secuencias, mutando su sonido en un rock-electrónico-reggae-hip-hop-bailable. Al igual que en su anterior disco, Soft Machine, en esta ocasión siguen habiendo voces ragga intervenidas con vocoder, rapeos de flow melódico, coros pop sobre bases rockeras. Toda una variedad en la que hay varios invitados, entre los que destacan nombres como B52’s y The Flaming Lips. Pero los temas instrumentales –Glow In The Dark, Cisum Slived- y Wolfman, cantada por su vocalista Patrik Arve, demuestran que no se apoyan en los nombres externos sino que los invitan a divertirse en Estocolmo.
Saber que entre los fans de este cuarteto de Osaka hay niñas japonesas de entre 8 y 12 años, puede ser reconfortante… si eres partidario del apocalipsis. Un caos hecho free jazz y hardcore en igual medida, donde la voz de la cantante-guitarrista, Mariko Goto, se pasea por frecuencias que van de lo infantil a lo gutural, de lo melódico a lo violento. No te dejes engañar por Dove, la 1era. canción; gentil y suavemente jazzística con la voz en modo “niña”, porque luego irá llegando la psicosis del teclado abusado por Hajime, los gritos de Goto fundidos con los tiempos imposibles de la batería y una guitarra que termina de darle a Shinsekai –Mundo Nuevo- un sonido que desborda los extremos, ofreciendo también espacios para las melodías y despliegues armónicos, como en sus 5 discos anteriores.
Una reseña más amplia y con video aquí.
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El Robot Bajo El Agua A Dolores Que Percibió La Grandeza
Satanicpornocultshop Arkhaiomelisidonophunikheratos
“Tan dulce como la vieja miel favorita”, eso es lo que significa –en griego- el nombre del 10mo. y más reciente disco de este cuarteto de Osaka. Un título casi impronunciable que hace juego con su música inclasificable; un collage de breakcore, hip-hop, IDM, rock, drum & bass y pop, que juntos, generan una extraña atmósfera bajo la cual se entrelazan momentos de delirio experimental -2 More Heads_Sprouted!, Custom Drum Destroyer, 9 Headed Monster- con canciones más gentilmente radiables –Next Year’s Snow, Kanariya, Nido- y versiones satanicpornocultshopizadas, como la aquí titulada Feed Me W) Ur Kiss de My Bloody Valentine y Get Your Freak On de Missy Elliot, bautizada en este disco como Pinky. Hiperactividad, serenidad y disparatadas referencias musicales resumidas en 15 tracks.
El Otro Yo Ailabiu EOY
Junto a Babasónicos, son los únicos sobrevivientes de aquella ola de “nuevo rock argentino” surgida en los 90’s. Van 8 discos y los hermanos Aldana; Cristian y María Fernanda, siguen desplegando ese rock de tintes punky y apoyos electrónicos que han hecho de su música un rato de diversión segura. Como de costumbre, sus letras puede que suenen algo naif y más juveniles que la edad de sus intérpretes, pero mantienen el encanto que complementa esas melodías por momentos eufóricas, por momentos serenas, donde la voz de María Fernanda cede más de espacio para que Cristian se haga cargo de la mayoría vocal de las canciones -7 de 10-, entre las cuales hay colaboraciones de Café Tacvba y Molotov, aprovechando la estadía mexicana que supuso la grabación de este disco, producido en tierras aztecas.
“Que le den por culo a tus amigos, pasa de ellos y ven conmigo” canta Ariadna, vocalista de Los Punsetes, en la canción Tus Amigos, “No quiero que me lo prestes, yo quiero que me lo des, te lo digo abiertamente, no te lo pienso devolver” canta en la canción Dinero. Y es que en LP2 las letras de este quinteto madrileño siguen siendo directas, sencillas y guarras, tal vez más que en su disco debut de 2008, desde cuando se hicieron notar en el circuito independiente español por esas referencias post-punk junto a la colosalmente monótona vocalización femenina, ya característica del grupo. Con estas nuevas 12 canciones Los Punsetes aumentarán, tanto su número de entusiastas seguidores, como de nuevos oyentes que jamás volverán a escucharlos por rechazo a la voz de Ariadna. Sé parte de los primeros.
En este nuevo trabajo sigue consolidándose con resultados positivos esa amalgama de drum & bass, rock y techno que estos australianos residentes en Londres han desplegado desde Hold Your Colour -2005-, manteniendo su esencia y cediendo más espacio para el techno y el electro, como se puede escuchar en canciones como The Island I (Dusk) y The Island II (Dawn). Igualmente siguen rockeando en temas como Self Vs. Self –con guitarras y gritos/voz cortesía de In Flames-, Inmunize, con las voz de Liam Howlett -The Prodigy- o The Fountain, cantada por Steven Wilson –Porcupine Tree-. Y aunque Goldie –uno de los precursores del D&B- los haya tildado de desertores, este combo demuestra que evitar quedarse encasillado en un sonido ayuda a mantenerse fresco con el paso del tiempo. Inmersion es mucho más drum que bass.
The Knife Tomorrow, In A Year
Especial tributo del grupo de performance danés, Hotel Pro Forma, para Charles Darwin con motivo del 150 aniversario de la 1era. Edición de El Origen De Las Especies, encargándole al dúo sueco The Knife, una electro-ópera que complementa la puesta en escena que el colectivo de Copenhagen ha preparado llevar a cabo. El intrincado electro-pop hecho desde Estocolmo por los hermanos Karin y Olof Dreijer, ha estado cubierto por un halo de oscuridad que en esta ocasión adaptan a los terrenos operáticos con la colaboración de la particular artista Planningtorock, Mt. Sims y la mesosoprano Kristina Wahlin, el resultado: Tomorrow, In A Year, 90 minutos "hermosamente perturbadores y siniestramente esperanzadores” que se han trasladado desde las tablas de los escenarios hasta al estudio de grabación.
Una reseña más amplia aquí.
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Xiu Xiu es el pequeño monstruo musical al que Jamie Stewart dio vida en 2003. Como fundador y único miembro fijo –diferentes colaboradores han pasado a lo largo de sus 7 discos-, Stewart ha impreso en cada entrega un particular sello de experimentación musical con momentos de tragicomedia vocal y explosiones de ruido digital que desembocan en suaves melodías, contrastando con las implacables y sórdidas palabras de sus canciones. Para este nuevo disco se mantiene lo anterior, pero con mayor presencia electrónica y la inclusión de un Nintendo DS en la mezcla, su nueva tecladista, Angela Seo, contribuye a un sonido más accesible –para los estándares de Xiu Xiu, claro está- que hacen de este 7mo. disco, el más consistente de su catálogo. Un art pop tan art como siempre, pero más pop que nunca.
Una reseña escuetamente más amplia y con video aquí.
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Desde las experimentaciones propias del IDM en la línea de Aphex Twin, hasta las melodías vocales de artistas como Stevie Wonder. Así ha sido la metamorfosis sonora de Lidell en el transcurso de los 3 discos que hasta ahora formaban su catálogo como solista. Para esta, su 4ta. y más reciente entrega, balancea lo que ha venido mostrando durante la recién despedida década; visión musical aventurera con sentimiento soul genuino –no irónico como algunos pensaron en algún momento-. Con Beck ayudándolo en la producción adicional e invitados como Feist y Chris Taylor –de Grizzly Bear-, Compass es un paseo musical de naturaleza ecléctica que durante sus 14 canciones difumina las fronteras entre la experimentación de las bases instrumentales y el sentimiento R&B que Lidell le imprime a su voz.
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Concebido inicialmente como un regreso al estudio de Roxy Music -con Brian Eno y todo-, Olympia terminó siendo un nuevo disco "solista" de uno de los artistas musicales con más talento para la composición y ejecución del pop en su faceta más sofisticada. Sin embargo los ex-Roxy Andy Mackay, Phil Manzanera y el propio Eno -éste por 1era. vez desde el disco For Your Pleasure de 1973-, colaboraron con Ferry, al igual que Groove Armada -en Shameless- Scissor Sisters -en Heartache By Numbers-, Johnny Greenwood de Radiohead -en Song To The Siren- y así sigue la lista de invitados a este magno evento de la belleza musical con Flea de RHCP, David Gilmour de Pink Floyd, etc. Y como la portada debía tener un nombre digno de la música de Ferry, buscaron a Kate Moss para darle su toque reminiscente a las míticas portadas de Roxy Music y así hacer de éste, un disco "solista" con sabor a regreso. Imprescindible.
Hola gente amante de Bryan Ferry y Roxy Music, aquí mi aporte para compartir y disfrutar, mi Blog.
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