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noviembre 17, 2015


CAYAYOTABÚNOSTALGIA


Hoy se cumplen 16 años desde que el personaje más venerado del ¡Rock nacional!, ¡Rock nacional!, escapó de esta ladilla de ciudad. Pero hablar de Cayayo frente a mucha de la gente relacionada con, o seguidora del mundillo alternativo venezolano, es como hablar de Mahoma ante un auditorio donde están sentados algunos fundamentalistas islámicos; si dices algo que ellos consideren ofensivo, pronto estarás vestido de anaranjado y arrodillado frente a una cámara de video.

Precisamente el tema de su muerte es el que ha estado más blindado por un tabú que roza el extremismo. Un cocktail de esto, aquello y lo otro, se lo llevó. Ese es el testimonio de sus allegados, uno de ellos, su socio y amigo, Gustavo Corma (actualmente cercano a los payasos del Circo Cruel venezolano). Eso no lo hace ni peor ni mejor persona, tampoco es irrespetar su memoria o a su familia, ¿Acaso gente como Jimmy Hendrix, Dee Dee Ramone o Philip Seymour Hoffman no merecen respeto o no tenían familia?. Cuando una persona tiene la (des)dicha de alcanzar cierta fama, hay detalles de su vida que pasan a formar parte del dominio público, más aún cuando se trata de alguien admirado y las causas de su muerte. No es chisme ni sensacionalismo, es información. Aquel triste noviembre del '99, comparable sólo con el triste abril del '94, cuando murió Kurt Cobain (para los que éramos adolescentes en ese momento), ninguna de las notas que hablaba de su partida mencionó la palabra "drogas", todas se limitaban a hablar de "un fulminante paro respiratorio", poco faltó para que dijeran que "fue por combustión espontánea y no pregunten más". Esto es igual que en prácticamente todas las páginas y blogs que hablan de su vida, obra y despedida, que omiten las causas por las que nuestro más querido (y póstumo) rockstar se fue. Sin embargo, a raíz del lanzamiento en 2014 del libro "Cayayo: Alma Perpetua", escrito por Eugenio Miranda, se ha abierto el espectro informativo y finalmente se pudo leer lo que antes uno oía por parte de conocidos, también se pudieron desmontar elucubraciones que hacían de su muerte algo un poco más sórdido de lo que fue. 

Dejemos claro que fui un fan desde que descubrí su música y pinta; en la etapa de Sentimiento Muerto, entre Sin Sombra No Hay Luz e Infecto de Afecto. Por esa época tenían buena rotación en las emisoras caraqueñas con Una Mirada Dice Todo y Dice Nada y Cabeza (de El Amor Ya No Existe, que ya llevaban tiempo sonando), además de las nuevas para ese momento; Nada Sigue Igual y Payaso. Está de más decir que mi enganche fue instantáneo y a continuación vino el respectivo "cómprame este disco", mientras estaba con mi papá en Maxy's de Bello Monte y tenía en mis manos el vinil de Sin Sombra...



...¡CRACK!, me agaché a recoger algo que se me cayó y al levantarme me sonó la espalda, continúo: Luego llegaron los CDs y fue el turno de Infecto de Afecto (para mi el mejor disco del grupo), pero luego murió Sentimiento y no se supo más de lo que estaba haciendo Cayayo, por unos meses, creo recordar. Hasta que desde finales de 1993, en Rockadencia de 92.9, comenzaron a rotar frenéticamente Terrenal y la primera versión de Sordera (también la primera versión de Hércules de LaMuyBestiaPop, pero esa es otra historia) cuya diferencia principal con la versión que terminaron incluyendo en La Violó, La Mató, La Picó, eran unos teclados más bien ochentosos que le daban un sonido distinto y hacían que esa versión fuese mi preferida. El cassette donde la tenía grabada se me perdió, si alguien la tiene en mp3 estoy dispuesto a pagarla por una buena cantidad de pesetas.



Esa versión de Sordera (la de los teclados) y Terrenal, sirvieron de soundtrack para innumerables momentos de mi euforia teenager, uno de ellos, el único blackout producido por el alcohol que he experimentado; mis últimos recuerdos antes que me apagaran la luz ese día de semana santa del '94 en las afueras de algún pueblito en Trujillo, fue estar enchaquetado brincando junto a otros adolescentes eufóricos a orillas de un río. Brincábamos y cantábamos al compás de ese par de temazos, que sonaban bestialmente duro desde las cornetas empotradas en un gran cajón instalado en la maleta de un Fiat Uno.

ff >> hasta noviembre del '99, en el concierto de Alanis Morrisette; un par de horas antes mi pana Alejandro me había llamado para ofrecerme una entrada que le sobraba, y aunque nunca fui fan de la canadiense, me pareció un plan repentino y divertido. Una vez dentro del Poliedro, vagando por sus instalaciones cerveza en mano, me consigo a un colega alternativoso que, sin anestesia, procedió a extirpar una parte de mi juventud al darme la fatal noticia. Como decía unos párrafos más arriba, lo sentido en ese momento fue comparable a lo sentido cuando escuché a Kurt Loder de MTV News, informar que su tocayo Cobain había muerto. Sólo que esta pérdida no ocurrió en Seattle sino en Altamira, y eso dolió un poco más.

Hoy quedan las experiencias vividas mientras de fondo sonaba Educación Anterior, Ausencia o Don Ramón. Queda también, al menos de mi parte, el deseo por no endiosar a una figura que era tan humana como tú y yo. Sin que esto signifique darle una patada al pedestal sobre el que está. Como dijo Pete Townshend (de unos tal The Who) en un testimonial de no recuerdo qué documental que hablaba sobre Keith Moon, Jim Morrison y Janis Joplin, entre otros: "Para ustedes son sus malditas leyendas, para mí eran mis amigos". Cayayo era nuestro amigo, aunque nunca haya conocido a muchos de nosotros. 


octubre 08, 2011




CHING CHING


Julie LaMendola: Sierra musical / voz
 Dan Gower: Piano / coros
 Producidos por Kevin Blechdom


Antes se llamaban Ching Chong Song, pero lo cambiaron a Ching Ching debido a un montón de llorones(as) que empezaron a protestar en NY por lo "racista" del nombre; ching chong es una manera despectiva de llamar a los asiáticos en EE UU. Teniendo en cuenta que  la intención de este dúo no es ofender a las razas sino a los convencionalistas, aquí aplica el principio tácito de que una "ofensa" sólo es tal si el receptor así la quiere tomar, sea un ching chong, un nigger, un whitey o lo que sea. 

Son de Brooklyn, si, pero no tienen nada que ver con la escena musical hipster del condado. Aunque sí, también son hipsters, pero de los más desadaptados.




junio 25, 2009


"...no one wants to be defeated
showin' how funky and strong is your fight
It doesn't matter who's wrong or right
just beat it, beat it..."

junio 05, 2009

Timeless Melodies *El Goo de Sonic Youth*


Recuerdo que a mediados de los '90 en el canal Fox colocaban, en los cortes comerciales, video-clips con las canciones del momento. Durante varios días estuvieron insistiendo con el video de Bull in the Heather, -con Kathleen Hanna haciendo de niñata hiperquinética/stripper ostinada- fue ahí cuando supe que existía Sonic Youth. El Experimental Jet Set, Trash and No Star (1994), lo vendían en Recordland y Discocenter a precio de estudiante, perfecto para un mantenido de 17 años que quería tener una novia como Kim Gordon en versión teen.
Pero basta de mi, hablemos ahora de ti, Goo.

Sonic Youth Goo (1990)

Luego de Daydream Nation (1988), uno de los mejores despliegues melódiconoisies de la música de culto (dicho por muchos entendidos), y luego de casi una década y 7 discos, los sellos grandes se interesaron por ese grupete cacofónico de New York. Finalmente Geffen Records, que mostraba interés en "nuevas" corrientes rockeras, decide contratarlos. El pequeño grupo de seguidores de la banda se horrorizó ante el hecho que sus ídolos exclusivos pudieran perder ese gusto adquirido que los había caracterizado hasta el momento. El miedo duró poco, hasta junio de 1990.



Después que alguien saca un disco que resulta clave para una corriente musical, su sucesor se ve acorralado por expectativas. Como respuesta a esto sale Goo, que si bien ofrece canciones con estructuras más accesibles para un público que recién los descubriría, también mantiene intacta la esencia del grupo.
Desde que comienza a sonar, con Dirty Boots, van apereciendo, poco a poco y por ráfagas, los momentos de intensidad, feedback y suciedad sonora cortesía de las guitarras de Moore y Ranaldo, el bajo de Gordon y los golpes de Shelley, acompañados por letras más que especiales, como el caso de Tunic (Song for Karen), dedicada a Karen Carpenter, que va por esta onda:

"...I feel like i'm disappearing
getting smaller everyday

but when i open my mouth to sing

i'm bigger in everyway..."


En Goo también hay una muy buena tarjeta de presentación para entregársela al mainstream; Kool Thing. Igualmente nos mueven temas como Mary Chirst, Mote (escrita y cantada por Lee Ranaldo, que para mi es como el George Harrison de SY), Cinderella's Big Score y Disappearer, que a cualquier fan del grupo le emocionaría escuchar sorpresivamente por ahí.

Por otro lado, y quizás para disipar sospechas de sumisión por parte de su nueva y multinacional disquera, la portada demuestra un desafío para la tolerancia empresarial, apareciendo escrita en ella una frase como ésta: "I stole my sister's boyfriend. It was all whirlwind, heat, and flash. Within a week we killed my parents and hit the road." dicha frase acompaña al arte; una reproducción ilustrada de una foto en la que aparece la hermana de la famosa asesina en serie Myra Hindley, yendo a los tribunales a testificar en contra de la legendaria criminal.



¿Qué puede ser mejor que escuchar Goo? Ver Goo

Geffen les dio algo así como una propina (no recuerdo dónde leí que fueron como $1000) para que grabaran un video. Pero grabaron 11; uno para cada canción del disco, el resultado fue un trabajo audiovisual llamado The Goo That Lives On In My Heart (del que no me explico su casi total falta de información en la web, si no fuera por emule...). Cada video está dirigido, con presupuesto prácticamente nulo, por distintos amigos del grupo, como el de Disappearer, a cargo de Todd Haynes (director de la peli Superstar: The Karen Carpenter Story y también de Velvet Goldmine) o el video de la canción-interludio Scooter & Jinx, dirigido por uno de los referentes del subsuelo audiovisual/fotográfico; Richard Kern (cuyo libro de fotografía-porno-sofisticada; Model Release, estuvo hace tiempo en tecni-ciencia del CCCT... hasta que lo compré). Pero las (ahora) sorpresas no terminan ahí, el video de Mildred Pierce lo protagoniza Sofia Coppola, principal responsable de dos de mis películas preferidas: The Virgin Suicides y Lost in Translation.

Goo es un viaje pegajoso lleno de feedbacks adaptados para un público más amplio, es la llegada hasta la frontera donde el underground se topa con el mainstream, definitivamente Goo sticks like glue.





P.D.: Pendientes también con el disco nuevo; The Eternal (junio 2009).

mayo 25, 2009

Timeless Melodies *The Quick*


+ DE 2 AÑOS DE ACTIVIDAD

LE HUBIESEN QUITADO GRACIA AL NOMBRE


The Quick fue un grupo de Los Angeles que desapareció más rápido de lo que apareció, otra de esas minas que no llegó a explotar. Una promesa cumplida sólo para algunos debido a la (imperdonable) falta de interés de muchos.

Tal vez su música estaba siendo reservada (sin saberlo) para otra generación, o mejor dicho, parte de otra generación, aquella que rescata a muchos renegados del pop de cualquier corriente musical y de cualquier época, en este caso, un power-pop (65% power, 35% pop) de mediados de los 70's, perfectamente ejecutado con actitud glam y energía suficiente para euforizar a las multitudes que nunca los escucharon. Cuidado y ahora te euforiza a ti.

Su primer y único disco; Mondo Deco (1976) (al parecer no editado en CD pero disponible aquí gracias a alguien que digitalizó su vinil); lo produjo Earle Mankey, ex-guitarrista de Sparks y productor de Beach Boys para aquel momento. Algunos demos posteriores a ese álbum fueron producidos por David Campbell (papá de Beck) y pasados a CD en 2003 para que una recopilación de The Quick saliera bajo el nombre de Untold Rock Stories.



...¡boom!

mayo 18, 2009

Timeless Melodies *Mu*


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Mutsumi Kanamori (el 50% del dúo MU) se mudó a Sheffield, conoció a su esposo y productor/DJ Maurice Fulton (el otro 50%) en una fiesta en Manchester, y desde ese momento nos han estado malandreando con beats. Su 1er. disco es Afro Finger and Gel (2003), luego sacaron Out of Breach (Manchester's Revenge) (2005), y ahora nos tienen esperando esa 3ra. altanería en formato bailable. ¿Será que se divorciaron? ojalá que no, ojalá que no.

Este video es de su canción Paris Hilton.
Qué bueno sería que Let's Get Sick, Tell You Something, Haters, Out of Breach, Stop Bothering Michael Jackson o Tigerbastard (dedicada a su ex-disquera tigersushi en un tono obviamente poco amigable) tuvieran sus videos también, pero por lo menos aquí hay una muestra audiovisual del "punk que puedes bailar", como dice Maurice.



abril 28, 2009

Timeless Melodies *Takako Minekawa*

Alguien me la recomendó en la época de Audiogalaxy sin imaginar que esta hermosura musical tokiota se iba a convertir en una de mis artistas consentidas para el resto de la vida.

Fue actriz infantil, recurrente en programas de la televisión nipona para finales de los '80. A mediados de los '90 comienza a hacer su música, tomando muchos pops como inspiración: algo de french pop, otro poco de synth-pop y por supuesto, la dosis perfecta de j-pop que termina de endulzar su sonido dándole un sabor indie pop.

Ella es mi Takako Minekawa (aunque esté casada con Cornelius), y estos, los videos de Milk Rock, canción de su disco Cloudy Cloud Calculator (1998), y Plash, canción del  Fun 9 (1999).





abril 20, 2009

Timeless Melodies *El Kimono My House de Sparks*



Sparks Kimono My House (1974)


Nunca es tarde para descubrir documentos sonoros que han estado guardados en archivos que parecieran estar bajo el dominio de una especie de logia musical. Por eso no importa que haya escuchado este disco por primera vez 33 años después que salió, así puedo estar seguro (luego de haberlo escuchado mucho más de 33 veces) que me parece uno de los mejores discos de rock que se haya grabado basándome en su música, no por simple nostalgia. Además, es un disco tan adelantado a su época que aún hoy hace que su sonido se convierta en una experiencia totalmente contemporánea. Esto es Timeless Melodies en todo el esplendor de la expresión.

También debo aclarar que hago mención especial de este disco principalmente por su contenido, no sólo porque se llame Kimono My House y aparezcan dos trashy-geishas en la portada (que se ven de lo más simpáticas en esta zona del blog)


Sparks es una especie de colectivo que gira alrededor de los dos hermanos Mael; Ron (bigotes hitlerianos y teclados) y Russell (pelilargo y voz), dueños del ingenio musical que rodea el sonido del grupo.

Desde un principio ya era obvio que estos músicos iban en otra(s) onda(s); una Glam antes que The New York Dolls, una Art antes que Roxy Music, una Proto-punk antes que Television, una New Wave antes que Talking Heads y una tan Única como Sparks. (ojo, no soy un inconsciente que minimiza la importancia de los grupos mencionados, todo lo contrario, se trata de una comparación que hago de los Mael con grandes de la historia musical)

Empezando los '70 graban en su ciudad natal, Los Angeles, sus primeros dos discos, pero la poca gente que llega a escucharlos parece no entenderlos mucho. En Inglaterra la cosa es diferente, allá son una sensación para un selecto grupo que los entiende y finalmente, hacen que Sparks se mude de continente y pase a ser una banda casi casi británica (el acento de Russell al cantar a veces puede ser más británico que el de Tony Blair).

Con una reputación merecidamente establecida (al menos en suelo inglés), los hermanos Mael entran eufóricos e inspirados a los estudios para continuar lo que habían empezado con su debut: Halfnelson (1971) y su 2do. disco: A Woofer in Tweeter's Clothing (1972). Así nace esta joya llamada Kimono My House. La banda que los acompaña en la grabación es también responsable del sonido vanguardista y sofisticado de este disco.

Desde su arranque, con This Town Ain't Big Enough For Both of Us, primer single del álbum y una de sus canciones insignia (cada canción de este disco lo es) se puede notar que lo que viene no es nada parecido a lo que se ha escuchado hasta el momento, es rock, si, pero el súper falsetto de Russell ya es algo que seguro habrá extrañado (y sorprendido) a muchos, la melodía de la letra se acerca a las acrobacias vocales escuchadas en ópera, la batería marca tiempos llenos de energía, mientras que las guitarras van escupiendo tonadas bastante rockeras que harían a cualquier admirador del género sacar su air guitar y comenzar a tocarla desaforadamente. Amateur Hour sigue impecablemente la línea poniéndole más velocidad al ambiente para luego desembocar en Falling in Love with Myself Again, que con su intro grandioso nos sumerge luego en una especie de vals-rock cuya melodía se queda en tu subconsciente por un buen rato. Llega entonces Here in Heaven, una canción tragicómica que habla de una pareja que había acordado suicidarse junta, pero luego que el novio muere, ella se arrepiente y rompe el pacto, quedando viva, el novio le reclama desde el más allá: "Up here in heaven without you it is hell knowing that your health will keep you out of here for many many years" la melodía es dramática y contrasta perfectamente con la propulsión instrumental que acompaña a la voz. Luego viene Thank God It's Not Christmas, que despega de manera proto-new-wave para luego convertirse en un pieza que pareciera sacada de un musical de culto. Hasta Mañana Monsieur es la canción que le sigue, dedicada a una chica que es guía turística pero no habla inglés y con la que es difícil entenderse por la diferencia de idiomas, otra grandiosa pieza operática en la que se escucha una que otra castañuela. El proto-new-wave vuelve a hacerse presente con Talent is an Asset, canción dedicada a Albert Einstein (cuando era niño), con una batería propulsada a generosa velocidad a la que se unen unas campanas que provoca acompañar con unas palmadas justo antes que la voz entre con otra de esas melodías nada convencionales pero totalmente pegajosas, los coros que se mezclan con la primera voz generan un ambiente de comuna en anfetaminas que canta junta para nuestro máximo deleite. En Complaints no hay ninguna razón para quejarse, a menos que no te gusten las guitarras eléctricas que entablan conversaciones con pianos veloces y coros llenos de euforia. Cuando creías que este disco te iba a dar un descanso, suena In My Family, sólo para que aprendas a agradecer que el descanso no está a la vista aún, más baterías llenas de cambios junto a las más energéticas guitarras y más letras llenas de ironía: "...Gonna hang myself from my family tree". En Equator, la velocidad baja un poco y escuchamos la voz de Russell balanceándose sobre el piano de Ron, un saxofón los acompaña en algunos pasajes, hasta que llega la parte final de la canción, convirtiéndose en una especie de prueba de tolerancia para los escuchas amateurs; la voz más aguda del disco que pincha los oídos sin dar tregua durante los casi 2 minutos que dura el epílogo de este tema, el saxo suena casi sin melodía, es una textura que soporta el jamming vocal final. Al momento que llega Barbecutie, puedes estar, o exhausto o queriendo escuchar más, esta canción es un b-side que al final incluyeron en futuras re-ediciones, supuestamente no tiene mucho que ver con las demás canciones, pero en realidad suena como si fuera una de las primeras en haber sido grabadas, los pies siguen moviéndose al escucharla. Y para cerrar tenemos Lost and Found, otro bono cortesía de la re-edición que empieza de una vez con todo el arsenal sonoro, sin rodeos, ni crescendos, una manera perfecta de cerrar esta obra maestra que ni por un segundo tiene desperdicio y está perfectamente alimentada con letras de colección.

El impacto de este disco no se sintió tanto en el público (americano) sino en la poderosa influencia que ejerció en futuros músicos. Para muestra, una carta que mandó Morrissey (si, el de los Smiths) a la revista NME (New Musical Express) cuando éste era un chamín de 13 años, esto es lo que dijo en su carta:

"Today I bought the album of the year. I feel I can say this without expecting several letters saying I'm talking rubbish. I bought the album on the strength of the single. Every track is brilliant, although I must name 'Equator', 'Complaints', 'Amateur Hour' and 'Here In Heaven' as the best tracks and in that order”. Steven Patrick Morrissey. (NME - November 1974)

Luego , cuando The Smiths eran ya grandes, declaró que al escuchar Kimono My House terminó de decidir que la música iba a ser su motivo de existencia.

Otros artistas que han nombrado a Sparks como una importante influencia han sido: Siouxsie Sioux (The Banshees), Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle, Tomahawk, etc, etc, etc.), Depeche Mode, Björk y la lista sigue y sigue. Es decir, los influenciados resultaron tener muchísima más difusión que su influencia.

Los hermanos Mael siguen activos y para nada se han quedado estancados, más bien han ido incorporando nuevos elementos a su ya exclusivo cocktail; industrial, electrónica, synth-pop, música clásica y más rock son algunos de los sonidos que podemos escuchar en sus discos post-kimono. De hecho, muchos entendidos han colocado a Hello Young Lovers (2006) como uno de los mejores discos que ha sacado Sparks, y eso que es el 20avo. en su carrera ¿hacen falta más pruebas de calidad? si, hace falta que los escuches.





octubre 07, 2008

Timeless Melodies *Ladies W.C.*


AL FONDO A LA DERECHA




Ladies W.C.
(1969)

En la escena musical venezolana hay una extraña costumbre que se repite con cierta frecuencia: Las bandas hacen lo imposible para sacar un 1er. disco, lo logran, resulta ser un debut más que prometedor y luego la banda desaparece. Eso fue lo que pasó con Ladies W.C.

Con un 1er. y único disco, que luego se convirtió en uno de los más codiciados objetos de colección por melómanos a nivel mundial, estos 3 venezolanos, en compañía de un estadounidense que vivía por estos lados en ese momento, desaparecieron para luego ser nombrados como influencia, por gente como los ingleses de Stereolab y los japoneses de Acid Mothers Temple, entre otros.

Hay algunas páginas por ahí que nombran a Stephen Scott como fundador del grupo, cuando en realidad dicho mérito se lo lleva Adib Casta, encargado de la composición, voz, guitarra y órgano. Este venezolano es de los primeros ídolos underground de la música hecha aquí.


A parte de las menciones que artistas internacionales hacen de Ladies W.C., una de sus canciones: People, es incluida en Love, Peace & Poetry: Latin American Psychedelic Music (1999), el segundo de una serie de lanzamientos que recopilan los más representativos grupos psicodélicos de cada región del mundo. De igual manera, esta grabación venezolana fue re-editada por sellos ingleses y alemanes, este último lanzó una edición limitada de colección en vinil de colores, las 450 copias se agotaron rápidamente y luego lo lanzaron en CD.



Adib Casta (1948-2003) cambiaría, luego de los 70's, las cuerdas por los lienzos y se dedicaría a la pintura y el diseño para carátulas de discos. Es considerado hoy en día como una de las principales figuras del rock latinoamericano de los 60's y 70's.

octubre 06, 2008

Timeless Melodies *Pan*


"...Pon tu bondad a germinar..."


Pan Pan (1970)

Unos 25 años antes que Cayayo le diera descanso a Dermis Tatú y arrancara con Pan, una banda, también de Caracas y con ese nutritivo nombre, sacaba un disco homónimo. Empezaba 1970.

Los hermanos Chú y Nené Quintero comparten créditos con 6 músicos más que armaban este bandón de 8 personas en el que habían 2 trombones, una trompeta, percusión, 3 guitarras, un bajo y una batería. La gustosa percusión delataba la ascendencia latina de este combo, pero cuando entraban las guitarras podrían pasar fácilmente por algún destacado acto rockero-psicodélico europeo o estadounidense de aquel momento. Varios de sus riffs no tenían nada que envidiarle a los de Black Sabbath, de hecho, el de Daisy, una de las canciones de Pan, puede mezclarse perfectamente con el de Iron Man. Y no es que los Sabbath fueran una influencia para estos venezolanos, porque a esas alturas, Osbourne y compañía, eran totalmente desconocidos, apenas estaba saliendo su no muy famoso y 1er. disco. Por cierto, las voces de Chú y Nené eran en español para que todos entendieran los mensajes positivos que querían mandar - las canciones Semilla, No Te Olvides Del Señor y Sinfonía No. 20 son buenos ejemplos -.

El disco cuenta con 10 temas que compiten por imponerse, todos lo logran. Los grandes despliegues de metales que complementan a la percusión y comparten espacio con descargas guitarreras hacen de este disco todo un recorrido por una etapa llena de psicodelia y creatividad que va más allá de las populares bandas que versionaban los hits radiales del momento.


3 años después de su debut y sin sacar otro disco, Pan se separa, esparciendo a sus miembros por varios géneros musicales. Varios de ellos, aún hoy, inspiran gran respeto en la comunidad musical, no sólo local, sino también más allá de nuestro caos fronterizo.

¿SABÍA USTED QUE...? Hubo una banda danesa también llamada Pan, también con tendencias psicodélicas, también con un sólo disco en su haber que también salió en 1970. Ni planeado hubiera salido mejor.

septiembre 24, 2008

Timeless Melodies *The Free Design*


TAN DULCE COMO EL AZÚCAR 
SINCE 1967



The Free Design

The Velvet Underground se mantuvo, sin quererlo mucho que digamos, oculto del éxito durante toda su existencia, siendo apreciados y tomados en cuenta sólo por un pequeño grupo de personas que entendían lo avanzado y desafiante que era su propuesta para aquellos momentos - 2da. mitad de los 60's -. El tiempo por fin alcanzó a la música de estos neoyorquinos y unos cuantos años después de su separación, comenzaron a ser reconocidos como uno de los principales grupos en la historia del rock.

Pero cuando hablamos de un sonido totalmente distinto al de los protegidos por Warhol; mucho más inocente, accesible y deliberadamente pop, el underground es una palabra que no cuadra, pero por alguna razón está muy presente. Es el caso de The Free Design, quienes durante décadas se mantuvieron en las sombras, a pesar de las luces de colores proyectadas por su música.

En tiempos de Vietnam, experimentación, ácidos, psicodelia, rebeldía y más ácidos, The Free Design, compuesto por puros hermanos; los Dedrick, llegaba con una actitud diferente: eran jóvenes bendecidos con inocencia y un talento  anormal para crear música sublime.

Lo delicado de su propuesta viene tomado de la mano por la maestría de sus integrantes a la hora de componer y ejecutar las más pulcras piezas; llenas de melodías que bien podrían definir el espíritu más inteligente del pop de los 60's, 70's y todas las que vengan en futuro. Cada canción tiene unos arreglos instrumentales y vocales tan inmaculados, que sin esfuerzo nos hace dar un recorrido por la armonía en su máxima expresión. Es la pastilla de nutra sweet perfecta para endulzar cualquier momento, sin sufrir las consecuencias del azúcar. Algunos puede que queden empalagados, pero otros desarrollamos adicción por el aspartame.

Chris Dedrick, fue siempre la mayor fuerza compositora del grupo; su papá, Art, se encargaba del trombón y dirección musical; el tío Rusty, de la trompeta y las hermanitas Ellen, Stephanie y Sandy, le daban el toque final con sus voces a esta merengada de vainilla que, luego de 3 décadas le dispararía la glucosa a nuevas generaciones.

Hay sólo 2 cosas que los Velvets tienen en común con los Designs: Ambos nacieron en Nueva York y ambos fueron ignorados en sus tiempos para, luego de algunas décadas, recibir el reconocimiento merecido.

Desde que salió su primer disco: Kites Are Fun, en 1967, hasta mediadios de los 90's, no tuvieron ningún acercamiento al éxito. Pero a los Dedrick les llegó su momento. Tardó como 25 años, pero llegó. Y lo hizo de la mano de una nueva generación que mostraba renovados intereses hacia el sunshine pop de los 60's. Gente como Stereolab - que en el '99 le dedican una canción llamada The Free Design -, Camera Obscura - los escoceses -, pApAs fritAs, y Beck, entre otros, ya hacían obvio con su música la fuerte influencia de los, hasta entonces subestimados, Free Design. Y no iba a ser una influencia pasajera sino definitiva, que luego siguió expandiéndose hasta reunir a legiones de indie-poperos que ven en los Dedrick, a toda una institución del pop de todos los tiempos.

El solo regreso resultó ser más exitoso que toda su carrera, tanto así que en 2001 vuelven a preparar su arsenal de gomitas multicolor y apuntan hacia el público del siglo XXI con un nuevo disco: Cosmic Peekaboo, demostrando lo frescos que se han mantenido luego de 3 décadas. Una clase a la que ningún asiduo al twee o indie pop puede faltar. Ese mismo año sale a la venta un Best Of, con 20 canciones que no son suficiente para saborear todo el recorrido de este inocente combo.

Un par de años más tarde, un sello de Seattle: Light In The Attic, comenzó a lanzar ediciones especiales en vinil con varios artistas y grupos versionando canciones de The Free Design. Todo ese material se recopiló y lanzó al mercado en 2005 en formato CD bajo el nombre The Now Sound Redesigned. Caribou, Belle & Sebastian, Kid Koala, Stereolab y Super Furry Animals son algunos de los nombres presentes en ese reconocimiento tan justo.